VAMPIROS EN LA HABANA



En 1980 Padrón decide incorporar el humor negro al animado (algo que había hecho ya en historietas) y comienza una serie conocida como Filminutos: vampiros, duendes, verdugos y toda suerte de personajes enrolados en absurdas y risibles situaciones, siempre de final hilarante e inesperado


El éxito de Padrón permite que se realice esta coprodución en la que se mezcla armónicamente absurdo y realidad, cine de horror, suspense, y de gángsters, comedia musical y de enredos.

La primera parte del film relata el enfrentamiento de dos bandas internacionales de vampiros, de Chicago a Düsseldorf via La Habana, por el control de la fórmula del "Vampisol", un elexir que permite a los magnates de la cofradía de los vampiros, broncearse impunemente en bellas playas soleadas. La segunda historia nos cuenta la lucha de un grupo de revolucionarios contra el dictador Machado, durante los años treinta, en la Habana.

El punto en común de los dos animaciones es el heroe: José Amadeus von Drácula. Pepito para los amigos.

Se rumorea que Juan Padrón esta actualmente trabajando en una especie de remake de Vampiros en La Habana.

KOJI YAMAMURA


Nacido en 1964, el maestro Yamamura, inicia su carrera creando pequeñas animaciones cuando aún estaba cursando la secundaria, en ese entonces con apenas 13 años. Desde el inicio su trabajo llamaba la atención; su particular visión que se separaba dramáticamente del concepto que reinaba en el Japón con respecto al anime y las artes visuales.

Sus trabajos combinan la escultura en barro con figuras tridimensionales, fotografía, crayola y multimedia, mezclando técnicas y tendencias como el puntillismo y minimalismo, llevándonos a través de un mundo único donde la experimentación da como resultado nuevas tendencias visualmente impactantes y ricas en contenido. El surrealismo que impera en su trabajo y su tremenda sujeción a la estética pura, se traduce en un placer para los sentidos, donde el anime sé reinventa, transformándose a sí mismo.

Al igual que Tabaimo el maestro utiliza como excusa la critica a la sociedad contemporánea, satirizándola brillantemente por medio del uso de iconos de la cultura japonesa, y la actitud despreocupada de la sociedad hacia la tradición. La película animada Mthead, siendo su más conocido, la logrado recibir el reconocimiento de la critica internacional, gracias al peculiar sentido del humor utilizado por Yamamura, algunas veces algo insólito para el público occidental.

MT. HEAD

Animado, dirigido y editado por Koji Yamamura, narra la trágica historia de un tacaño quien prefiriendo tragarse un puñado de semillas de cereza antes de perder alguna, observa impasible como le crece un arbolito de cerezo en la cabeza. Este corto, contado a manera del teatro tradicional japonés, fue nominado en la 75th entrega de los premios Oscar del año 2003 bajo la categoría de mejor corto de animación. Fue el ganador del Gran Premio del festival de Annecy 2004 y también recibió un Premio Especial del Jurado del Festival de Animación de Holanda.

HAYAO MIYAZAKI


Hayao Miyazaki es un mangaka y productor de dibujos animados (anime) japonés, nacido en Tokio el 5 de enero de 1941. Director de populares filmes de animación como El viaje de Chihiro, La princesa Mononoke y El castillo ambulante.

La mayor parte de su obra ha estado enfocada a los niños, al punto de ser llamado el "Disney japonés". Su obra trata temas de contenido, con mensajes antibélicos, o abordando temas complejos como el hombre y la naturaleza, el individualismo o la responsabilidad, lo que le ha valido el reconocimiento público de Occidente y de los especialistas.

El viaje de Chihiro recibe el Oso de Oro de la Berlinale 2002, el Oscar a la mejor cinta animada en 2002 y el reconocimiento a su trayectoria en el Festival Internacional de Cine de Venecia.

Howl´s Moving Castle (o el Castillo Ambulante) postuló al Oscar 2005 como mejor película animada.

Miyazaki fue ganando más responsabilidades en sus primeros años de trabajo, lo que lo lleva a colaborar con Isao Takahata en los anime Heidi y Marco para el estudio Zuiyô Enterprise, que más tarde se convertiría en Nippon Animation, en los 70s. También participa en la obra Ana de Las Tejas Verdes. En 1978 dirige su primera serie Conan el niño del futuro y en 1979 su primera película El castillo de Cagliostro.

FILMOGRAFIA
-Conan, el niño del futuro (1978)
-El castillo de Cagliostro (1979)
-Nausicaa del Valle del viento (1984)
-Laputa: El castillo en el cielo (1986)
-Mi vecino Totoro (1988)
-Nicky, la aprendiz de bruja (1989)
-Porco Rosso (1992)
-La princesa Mononoke (1997)
-El viaje de Chihiro (2001)
-El castillo ambulante (2004)
-Gake no ue no Ponyo (2008)(esta pelicula se encuentra en estado de filmacion)


FOCUS


Esta maravilla de conjunto holandés surgió del proyecto del clásicamente entrenado Thijs Van Leer, quien consiguió al mando de su conjunto, captar el interés de Jan Akkerman, guitarrista y laudista vistuoso, considerado durante un corto periodo de tiempo como mejor guitarrista del mundo. Van Leer y Akkerman no tardaron en conectar. Más tarde, el guitarrista declaró estar completamente enganchado a esta banda. Focus arranca en 1970 con 'In and Out of Focus'. En su primera etapa, Focus era una banda de rockandroll progresivo con elementos neo-clásicos y jazzeros.

El binomio Van Leer/Akkerman no tardó en dar un ambicioso giro a su música, concentrándose ahora en la elaboración de composiciones llenas de pasajes sinfónicos guiados por las hermosas cadencias y juegos tonales de los teclados de Thijs, eludiendo sus clásicos temas vocales, pero manteniendo su idea original con cortes que nos siguen recordando la ineludible vena rockera de Akkerman, y su vertiginosa capacidad de improvisación con acentuaciones jazzeras.
Este nuevo concepto musical marcó la escena holandesa, sirviendo de inspiración a bandas como Finch, de cuyo guitarrista, el propio Akkerman declaró sentirse gratamente sorprendido. En esta etapa, Akkerman edita un buen material en solitario y participa en reuniones como un efímero proyecto con Paco de Lucía.

Tras su trabajo más ambicioso, el sobresaliente 'Hamburguer Concerto', y algunos problemas internos que empiezan a surgir, Focus lanza el Mother Focus, un álbum en el que encontramos una serie de piezas cortas que hacen una vaga exploración por otros estilos. En él sigue patente el toque característico de humor ya demostrado en algunos títulos o en breves apariciones de la voz de Van Leer, pero carece de interés para sus habituales oyentes. Tras diversas disputas entre Akkerman y VanLeer, el primero abandona, considerando que la banda ha pasado a convertirse en un simple pasatiempo para Van Leer. Aun así, el teclista sigue adelante con Focus junto a otros músicos durante algunos años.


En el año 85, vuelven a reunirse brevemente para la grabación de un disco emborronado por los samplers y la electrónica de los ochenta. El dúo no parece sentirse satisfecho con el resultado y vuelve a separarse.
En el nuevo milenio, Focus renace y se refresca con una nueva plantilla de jóvenes músicos al mando de Thijs Van Leer. Su sonido es mucho más pesado y su estilo rescata elementos de su música más sonada.


ALBUMES
In and Out of Focus (Enero 1971)
Moving Waves (Octubre 1971)
Focus III (Noviembre 1972)
Focus at the Rainbow (Octubre 1973)
Hamburger Concerto (Mayo 1974)
Mother Focus (Octubre 1975)
Ship of Memories (Septiembre 1977)
Focus con Proby (Enero 1978)
Focus (Agosto 1985)
Focus 8 (Enero 2002)
Live at the BBC 1976 (Mayo 2004)
Focus 9 / New Skin (Septiembre 2006)


ANIMUSIC


Animusic es una compañía fundada por Wayne Lytle y Dave Crognale, dedicada a la producción de animaciones musicales por ordenador. El concepto consiste en realizar una creación musical que ilustran mediante una animación en 3D. En sencillas palabras: instrumentos virtuales creados con bastante imaginación recrean los sonidos creados por sintetizador, intentando que estos instrumentos imaginarios sean evocadores de instrumentos existentes. La animación está realizada con el programa propietario MIDImotion, que utiliza una técnica analítica, basada en los sonidos en tiempo real.

Actualmente (2008) se han lanzado 2 colecciones de video.
Animusic: Un álbum de vídeo de animaciones a computadora.
Animusic 2: Un nuevo álbum de vídeo de animaciones a computadora.
Animusic fue re-lanzado en el 2004 en una edición especial en DVD.
Animusic 2 fue lanzado en el 2005. El sitio web de Animusic ha anunciado que la compañía está haciendo Animusic 3, pero no se ha dado ninguna fecha del lanzamiento.


JAMIE HEWLETT



Jamie Hewlett es un artista de tiras cómicas y diseñador británico. Es mas conocido por ser el cocreador de la historieta Tank Girl y cocreador de la banda Gorillaz.

Mientras estudiaba en la Northbrook College en Worthing al oeste de Sussex, Inglaterra; Hewlett, Alan Martin y un compañero estudiante llamado Philip Bond crearon un fanzine llamada Atomtan. Esto atrajo la atención de Brett Ewins. Después de dejar la universidad Hewlett y Martin fueron invitados por Ewins a crear un nuevo material para una nueva revista que él estaba creando junto a Steve Dillon en 1988. La revista se llamó Deadline y creaba una mezcla de tiras comicas producidas por creadores británicos y artículos basados en música y cultura.


Martin y Hewlett crearon Tank Girl, una tira cómica anarquista sobre una chica punk que manejaba un tanque y tenía a una canguro mutante como novio.

La tira fue un éxito instantáneamente y rápidamente se convirtió en la parte más comentada de Deadline. El raro estilo de Hewlett se tornó popular y empezó a trabajar con bandas como Senseless Things y Cud y proveía portadas para los discos de éstas.

Tank Girl fue considerada en ser convertida en un filme por MGM después de considerar por muchos otros a Steven Spielberg.

Hewlett se muda a un apartamento junto a Damon Albarn de la banda Blur, después de terminar este con su novia Jane Olliver (miembro original de Elástica) y fue mientras compartían el apartamento concibieron la idea de crear Gorillaz, la primera banda virtual. Albarn trabajaría en la música, mientras Hewlett trabajaría en el diseño de los personajes, y ambos tuvieron ideas para los miembros de la banda.

El primer sencillo de la banda fue lanzado en el 2000 seguido por el primer álbum de la misma en 2001. En 2005, su segundo álbum de estudio, Demon days, fue lanzado. Y también más recientemente, en el 2007 Gorillaz sacó su nuevo disco titulado como "D-sides". Todos sus álbumes fueron sucesos populares.

Gorillaz se mantiene como el proyecto de un futuro próximo para Hewlett. Cuando se le pregunto si volvería a las tiras comicas con Jonathan Ross en una edición del show de Chat de Ross el 25 de noviembre de 2005, Hewlett dijo que no, pero si dijo que tenía varias ideas que tal vez haría realidad algún día.

En enero de 2006, el trabajo de Hewlett en Gorillaz fue nominado por el Museo del Diseño para el premio de ‘Diseñador del Año’. En una entrevista con la revista ‘Icon’ Hewlett confeso que está tratando de revivir la idea de una película de Gorillaz. En Mayo de 2006, Jamie Hewlett fue nombrado ‘Diseñador del año 2006’.

IMAGINADORES

El largometraje documental Imaginadores, propone un recorrido por el universo de la historieta argentina desde una visión propia del lenguaje del cómic.
Imaginadores no sólo aborda el género documental en sí mismo sino que también apuesta a la animación tradicional otorgándole voz y movimiento a personajes clásicos de la historieta argentina que hasta ahora han permanecido estáticos.

Se cuenta con la colaboración del Director de Animación Julio Nicolás Azamor, quien a modo de homenaje se encargará de respetar la esencia de personajes como “El Loco Chavez”, “Cazador”, “Boggie”, “Clara de Noche”, “Sonoman”, “El Negro Blanco”, “Cybersix”, “Las puertitas del Señor Lopez” y muchos otros tan queridos por todos nosotros.

Por todo esto, Imaginadores busca narrar a través de sus mismos protagonistas, las vicisitudes, anécdotas, reliquias y experiencias de los mejores dibujantes de la Argentina, para trasmitirle al espectador esa pasión olvidada por las viñetas que hicieron a muchos argentinos imaginarse un universo distinto cada vez que leían una historieta.

Declarada de Interés Cultural por el Instituto Nacional de Cinematografía de la Argentina (INCAA)

MAUS


MAUS

Maus es la historia de un superviviente de Auschwitz, Vladek Spiegelman narrada a su hijo Art, el autor del libro. Pero además, en Maus el autor también realiza un retrato de su padre en la actualidad (en el momento en que se entrevista con él para que le relate sus recuerdos de la guerra) así como de su difícil y tensa relación con él.


En Maus, Spiegelman va más allá del Holocausto para instalarse en la psicología del superviviente en un intento de deshacer la maraña de su relación paterno-filial, de la sombra de una madre suicida y del fantasma de un hermano santificado al que nunca conoció. Hay que mencionar que en Maus los personajes se nos muestran con rasgos faciales de animales, característica que se usa con fines narrativos; así, por ejemplo, los judíos son presentados ratones, mientras que los nazis como gatos.


Escrita y dibujada por Art Spiegelman, Maus está considerado unánimemente por la crítica como uno de los mejores cómics de la historia. Además, se trata de uno de los escasos cómics que no sólo trascendido al gran público sino que lo hizo con un reconocimiento notable: recibió uno de los prestigiosos Premios Pulitzer en 1992, una beca de la Fundación Guggenheim y dió lugar a una exposición en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

GATOS NEGROS, GATOS POSITIVOS


Los gatos negros siempre han sido un signo de mala suerte para aquellos más supersticiosos, en cambio, para los científicos este animal posee un valor muy positivo: los genes que determinan su color, pueden ayudar a luchar contra las enfermedades.
En teoría, los animales de color inusual corren más riesgo de extinguirse a menos que el gen que le otorga su color le brinde también algún tipo de ventaja para su supervivencia, como es el caso de los gatos negros y las panteras negras. Los investigadores creen que el gen que determina su color les protege contra las infecciones.

Los seres humanos tenemos un gen similar, y este descubrimiento puede ayudarnos a generar resistencia contra las enfermedades.

El gen que produce el pelo negro en las panteras se llama MC1R. Si la versión humana de este gen muta, provoca, en algunas personas, cabello pelirrojo.

La función primaria de este gen es regular lo que puede pasar a través de la membrana de la célula. Por lo tanto, un receptor transmembránico mutado, puede en teoría ser más útil para prevenir que ciertos virus o bacterias entren en la célula.


En Egipto el gato estaba considerado como la reencarnación de los dioses en el trance de comunicarse ocn los hombres y manifestarles su voluntad. Los gatos también eran momificados y todo aquel que se atrevía a matar un gato era acreedor de la pena de muerte.

En el siglo XII la Iglesia comenzó una persecución a los gatos, a los que consideraba símbolo del diablo y cuerpo metamórfico de las brujas. Se alentó de tal forma esta persecuón que llegó a convertirse en espectáculo la quema de estos animales en las hogueras la noche de San Juan.

Se reivindicó la existencia de los gatos a partir del XVII debido a su habilidad para la caza de ratas, causantes de temibles y desoladoras plagas. Durante el siglo siguiente recuperó su prestigio y por su belleza sirvió como modelo para múltiples cuadros y esculturas..

La dualidad del gato como símbolo de la divinidad y de la representación demoníaca dio lugar a que en las supersticiones relacionadas con él se le considere representante de la mala o la buena suerte, según las circunstancias o lugar en que naciesen.

El gato negro puede traer buena o mala suerte dependiendo del lugar y la circunstancia de su encuentro: unos dicen que el gato negro es portador de mala suerte, mientras que otras creen que la mala suerte la trae el rojo.






















Se dice que el vaticinio es nefasto si se cruza en el camino de una persona de derecha a izquierda. También que pierde este carácter de maldad si tiene un lunar blanco en alguna parte del cuerpo.

En Europa y Norteamérica se considera que un gato negro trae buena suerte si camina hacia ti, pero si se aleja se lleva la suerte consigo. Lo mismo sucede si el gato se cruza de izquierda a derecha o de derecha a izquierda, considerado de mal agüero.

Desde tiempos lejanos las madres deben tener los gatos alejados siempre de los bebés porque "sorben el aliento" del niño como los vampiros. Si observamos a los gatos cuando los tenemos en el regazo tienden a acercarse a la boca y husmear. No es difícil imaginar que, dado el miedo a las fuerzas tenebrosas, este gesto parecería un intento de sorber que podría poner en peligro a un niño, pues el gato le sorbería la vida.

MARK RYDEN


Mark Ryden nació en 1963 en California, su arte está lleno de simbolismos de la cultura pop. Muestra lo tierno y lo estridentemente grotesco.

Ante la pregunta: “¿Pintas?”, Mark responde que no es él quien usa el pincel, sino un mono mágico que le visita por la noche…


Mark Ryden consigue entrar en la mente de un niño y describir lo que ve: un mundo perdido, sin una jerarquía lógica, donde las ideas y los objetos son tratados por igual. Tal informalidad explica totalmente la accesibilidad de su obra. Mark puede controlar lo indomable en un contexto convencional y delimitado, creador de obras disparatadas, revisitando la historia del arte, explora una nueva tendencia que podríamos calificar de surrealismo moderno.

Hoy en día los cuadros de Mark Ryden alcanzan ya los seiscientos mil dólares. De pequeños y grandes formatos, Ryden muestra en ellos su prolijo manejo de óleo sobre tela o del lápiz sobre el papel, con dibujos que mezclan inocencia y perversión al mismo tiempo.






La colección más tétrica y angustiante de Ryden y que de paso le ganó un sitial de honor en el mundo de los góticos, fue “Blood: Pinturas en Miniatura sobre Desolación y Miedo”, una serie de pequeños retratos de niñas que lloraban sangre y guaguas hambrientas ante un plato de sangre y un largo y tremendo etcétera. Aquella colección fue quizás la más íntima de Ryden, la hizo el año en que su esposa le pidió el divorcio y tuvo que dejar de vivir con sus hijos.



VINCENT



El cortometraje Vincent fue realizado por Tim Burton y Rick Heinrichs en 1982, y cuenta la historia de un niño de 7 años llamado Vincent Maloy, quien está obsesionado con el actor Vincent Price (éste último presta su voz de narrador) y todos sus papeles de cine, así como de Edgar Allan Poe.

Es el primer cortometraje dirigido por Tim Burton y utiliza la técnica de animación stop-motion (cuadro por cuadro) con muñecos de ojos grandes y lúgubres figuras de arcilla, con un excelente guión y música, muestra el lado que siempre le gustó a Tim Burton, la oscuridad, desesperación, miedo y figuras transroscadas.

Cuenta con la fotografía de Victor Abdalov y la música es de Kent Hilton.

Muestra el mundo de Vincent y cómo su obsesión transporta al espectador hacia una trama entre imaginación y realidad.

Vincent es tranquilo y obediente, y en sus fantasías sueña con ser su idolatrado Vincent Price, uno de los intérpretes de terror más admirados y respetados de la historia del séptimo arte.

Vincent está basado en un poema que Burton escribió al estilo de los cuentos del Dr Seuss ("How the Grinch stole Christmas", entre otros) mientras trabajaba para la factoría Disney. Burton no estaba a gusto en Disney durante esta época porque allí no le permitían desarrollar sus ídeas, pero consiguió unir al animador Rick Heinrichs, al animador de muñecos Steven Chiodo y al cámara Victor Abdalov durante dos meses para darle forma a la poesía.

El personaje del niño está basado en el propio Burton, quien desde pequeño admiraba a Vincent Price. El niño es descrito por la voz del narrador, que es el auténtico Vincent Price, utilizando rimas que rinden claro homenaje a Edgar Allan Poe.

Vincent Price recitó la poesía para el corto y más tarde mantuvo una amistad con el director Burton que se materializó en una colaboración para Eduardo Manostijeras (y un documental inacabado filmado por Burton titulado Conversations with Vincent. Price murió en 1993).

El cortometraje fue proyectado durante dos semanas en un cine de Los Ángeles junto con la película Tex y consiguió ganar varios premios. El cortometraje acabó en los archivos de la Disney dado que no sabían que hacer con él. Se trataba de un corto de 6 minutos en blanco y negro que no tenía más mercado que el formato de los festivales de animación. Más tarde se recuperó para proyectarlo con "Pesadilla antes de Navidad" e incorporarlo en el DVD de la misma.



RODRIGO Y GABRIELA


Rodrigo (Sanchez) y Gabriela (Quintero) son dos dedos rápido, con sede en Dublín, los mexicanos con un único sonido creado en guitarras acústicas. Su música es difícil de definir, tanto transzonales mundo y rock, y con frecuencia impregnada de atemporal Hispano - influencias clásicas. El incendio en el que proviene de su larga vida de pasión por la música metal. La pasada primavera, "Rodrigo y Gabriela", golpearon a los Arctic Monkeys Y Johnny Cash al número uno en los gráficos de Irlanda.

Rodrigo es un hábil dedo de la mano-recogedor que puede pasar de la velocidad a la que asola el alma sensual, en el espacio de un traste, mientras que Gabriela emplea rápido, técnicas rítmicas. Su percusionista de la paliza de cadenas y la batería del instrumento del cuerpo inevitablemente suscita comparaciones con el flamenco - que se reconoce como una influencia, sino como un viraje casillero.

Influencia de la familia van desde la salsa a los registros de la tía Gabriela de Pink Floyd, Black Sabbath, Queen, Led Zeppelin y de vinilo, con Rodrigo también un planteamiento similar rock clásico linaje.


DISCOGRAFIA
* Foc
(2001)
Independently released
* re-Foc
(2003)
Rubyworks
* Live in Manchester and Dublin
(2004)
Rubyworks
* Rodrigo y Gabriela
(2006)
Rubyworks