13 GATOS NEGROS

EL GRAN JEFE SEATTLE

2010-05-25T18:25:00.005+02:00

La carta que el gran jefe indio Seattle envió en 1854 al presidente Monroe en respuesta a la oferta de éste de comprarle una gran extensión de tierras indias y crear una “reserva” para el pueblo indígena, es uno de los ejemplos más hermosos del género epistolar y toda una lección de dignidad humana teñido todo con un espíritu profético, un respeto reverencial a la naturaleza y una sabiduría sin límites. Ojalá la disfruten…

¿Cómo se puede comprar o vender el firmamento ni aún el calor de la tierra? Dicha idea nos es desconocida. Si no somos dueños de la frescura del aire ni del fulgor de las aguas, ¿cómo pueden ustedes comprarlo?

Cada parcela de esta tierra es sagrada para mi pueblo. Cada brillante mata de pino, cada grano de arena en las playas, cada gota de rocío en los oscuros bosques, cada altozano y hasta el sonido de cada insecto es sagrado a la memoria y al pasado de mi pueblo. La savia que circula por las venas de los árboles lleva consigo las memorias de los pieles rojas.

Los muertos del hombre blanco olvidan su país de origen cuando emprenden sus paseos entre las estrellas; en cambio nuestros muertos nunca pueden olvidar esta bondadosa tierra, puesto que es la madre de los pieles rojas. Somos parte de la tierra y así mismo ella es parte de nosotros.

Las flores perfumadas son nuestra hermanas; el venado, el caballo, el gran águila, éstos son nuestros hermanos. Las escarpadas peñas, los húmedos prados, el calor del cuerpo del caballo y el hombre, todos pertenecemos a la misma familia.

Por todo ello, cuando el gran jefe de Washington nos envía el mensaje de que quiere comprar nuestras tierras, nos está pidiendo demasiado. También el gran jefe nos dice que nos reservará un lugar en el que podamos vivir confortablemente entre nosotros. Él se convertirá en nuestro padre y nosotros en sus hijos.

Por ello consideramos su oferta de comprar nuestras tierras. Ello no es fácil ya que esta tierra es sagrada para nosotros.
El agua cristalina que corre por los ríos y arroyuelos no es solamente agua, sino también representa la sangre de nuestros antepasados. Si les vendemos tierras, deben recordar que es sagrada y a la vez deben enseñar a sus hijos que es sagrada y a la vez deben enseñar a sus hijos que es sagrada, y que cada reflejo fantasmagórico en las claras aguas de los lagos cuenta los sucesos y memorias de las vidas de nuestras gentes. El murmullo del agua es la voz del padre de mi padre.

Los ríos son nuestros hermanos y sacian nuestra sed; son portadores de nuestras canoas y alimentan a nuestros hijos. Si les vendemos nuestras tierras ustedes deben recordar y enseñarles a sus hijos que los ríos son nuestros hermanos y también lo son suyos, y por lo tanto deben tratarlos con la misma dulzura con que se trata a un hermano.

Sabemos que el hombre blanco no comprende nuestro modo de vida. Él no sabe distinguir entre un pedazo de tierra y otros, ya que es un extraño que llega de noche y toma de la tierra lo que necesita. La tierra no es su hermana, sino su enemiga; y una vez conquistada sigue su camino, dejando atrás la tumba de sus padres sin importarle. Le secuestra la tierra sus hijos. Tampoco le importa.

Tanto la tumba de sus padres como el patrimonio de sus hijos son olvidados. Trata a su madre, la tierra, y a su hermano, el firmamento, como objetos que se compran, se explotan y venden como ovejas o cuentas de colores. Su apetito devorará la tierra dejando atrás sólo un desierto.

No sé, pero nuestro modo de vida es diferente al de ustedes. La sola vista de sus ciudades apena los ojos del piel roja. Pero quizá sea porque el piel roja es un salvaje y no comprende nada.

No existe un lugar tranquilo en las ciudades del hombre blanco, ni hay sitio donde escuchar cómo se abren las hojas de los árboles en primavera o cómo aletean los insectos. Pero quizá también esto debe ser porque soy un salvaje que no comprende nada. El ruido sólo parece insultar nuestros oídos.

Y después de todo, ¿para qué sirve la vida si el hombre no puede escuchar el grito solitario del chotacabras ni las discusiones nocturnas de las ranas al borde de un estanque? Soy un piel roja y nada entiendo. Nosotros preferimos el suave susurro del viento sobre la superficie de un estanque, así como el olor de ese mismo viento purificado por la lluvia del mediodía o perfumado con aromas de pinos.

El aire tiene un valor inestimable para el piel roja, ya que todos los seres comparten un mismo aliento, la bestia, el árbol, el hombre, todos respiramos el mismo aire. El hombre blanco no parece consciente del aire que respira; como un moribundo que agoniza durante muchos días es insensible al hedor.

Pero si les vendemos nuestras tierras deben recordar que el aire no es inestimable, que el aire comparte su espíritu con la vida que sostiene. El viento que dio a nuestros abuelos el primer soplo de vida, también recibe sus últimos suspiros. Y si les vendemos nuestras tierras, ustedes deben conservarlas como cosa aparte y sagrada, como un lugar donde hasta el hombre blanco puede saborear el viento perfumado por las flores de las praderas.

Por ello consideramos su oferta de comprar nuestras tierras. Si decidimos aceptarla, yo pondré una condición: el hombre blanco debe tratar a los animales de esta tierra como a sus hermanos.

Soy un salvaje y no comprendo otro modo de vida. He visto a miles de búfalos pudriéndose en las praderas, muertos a tiros por el hombre blanco desde un tren en marcha. Soy un salvaje y no comprendo cómo una máquina humeante puede importar más que el búfalo al que nosotros matamos sólo para sobrevivir.

¿Qué sería del hombre sin los animales? Si todos fueran exterminados, el hombre también moriría de una gran soledad espiritual. Porque lo que le sucede a los animales también le sucederá al hombre. Todo va enlazado.

Deben enseñarles a sus hijos que el suelo que pisan son las cenizas de nuestros abuelos. Inculquen a sus hijos que la tierra está enriquecida con las vidas de nuestros semejantes a fin de que sepan respetarla. Enseñen a sus hijos que la tierra está enriquecida con las vidas de nuestros semejantes a fin de que sepan respetarla.

Enseñen a sus hijos que nosotros hemos enseñado a los nuestros que la tierra es nuestra madre. Si los hombres escupen en el suelo, se escupen a sí mismos.

Esto sabemos: la tierra no pertenece al hombre, el hombre pertenece a la tierra. Esto sabemos. Todo va enlazado, como la sangre que una a una familia. Todo va enlazado.

Todo lo que ocurra a la tierra le ocurrirá a los hijos de la tierra. El hombre no tejió la trama de la vida; él es sólo un hilo. Lo que hace con trama se lo hace a sí mismo. Ni siquiera el hombre blanco, cuyo Dios pasea y habla con él de amigo a amigo, no queda exento del destino común. Después de todo, quizá seamos hermanos.

Ya veremos. Sabemos una cosa que quizá el hombre blanco descubra un día: nuestro Dios es el mismo Dios. Ustedes pueden pensar ahora que Él les pertenece lo mismo que desean que nuestras tierras les pertenezcan; pero no es así, Él es el Dios de los hombres y su compasión se comparte por igual entre el piel roja y el hombre blanco.

Esta tierra tiene un valor inestimable para Él, y si se daña provocaría la ira del Creador. También los blancos se extinguirán, quizá antes que las demás tribus. Contaminen sus lechos y una noche perecerán ahogados en sus propios residuos.

Pero ustedes caminarán hacia su destrucción rodeados de gloria, inspirados por la fuerza del Dios que los trajo a esta tierra y que por algún designio especial les dio dominio sobre ella y sobre el piel roja.

Ese destino es un misterio para nosotros, pues no entendemos por qué se exterminan los búfalos, se doman los caballos salvajes, se saturan los rincones secretos de los bosques con el aliento de tantos hombres y se atiborra el paisaje con exuberantes colinas con cables parlantes. ¿Dónde está el matorral? Destruido. ¿Dónde está el águila? Desapareció. Termina la vida y empieza la supervivencia…

EL PRIMER COMIC DE LA HISTORIA

2008-09-23T23:44:00.005+02:00

THE YELLOW KID

Mickey Dugan, más conocido como El Chico Amarillo (The Yellow Kid en inglés), fue el personaje principal en Hogan's Alley, considerada la primera tira cómica impresa a color en los Estados Unidos de América en una tirada masiva. El Chico Amarillo era un niño con los dientes desaliñados y una tonta sonrisa, que vistiendo una camisa de dormir amarilla compartía un callejón con otros personajes igualmente desarreglados.

El método de usar globos o bocadillos conteniendo el diálogo de los personajes en las historietas fue usado en El Chico Amarillo, aunque el chico usualmente se comunicaba a través de frases que aparecían impresas en su camisa. Rara vez hablaba. Su lenguaje era irregular, de jerga marginal (de gueto).

La tira era dibujada por el artista Richard F. Outcault. Primero apareció ocasionalmente en la revista Truth (1894-1895) en impresión blanco y negro, pero ganó una inmensa popularidad en 1895 en la ciudad de Nueva York cuando debutó en el New York World de Joseph Pulitzer (como una historieta en blanco y negro el 17 de febrero de 1895, y a colores desde el 5 de mayo de 1895).

En 1897 Outcalt continuó El Chico Amarillo en el periódico Mornig Journal de William Randolph Hearst. Pulitzer contrató entonces a George Luks para dibujar una segunda versión de la tira en New York World, razón por la cual El Chico Amarillo durante un tiempo apareció simultáneamente en dos periódicos competidores. Ambas versiones dejaron de salir en 1898.

El periodismo sensacionalista practicado por ambas páginas amarillas fue lo que acuñó el término prensa amarilla. En 1991 la tira fue una de las 20 incluidas en la serie Historietas Clásicas, de estampillas postales conmemorativas de los Estados Unidos de América. El famoso embaucador Joseph Weil (1877-1975) fue conocido como Chico Amarillo Weil (Yellow Kid Weil), en alusión a la tira. A fines de los 1970 la tira fue publicada en español por el mensuario "El Expreso Imaginario" de Buenos Aires.

ZX SPECTRUM

2008-06-22T03:21:00.015+02:00

El Sinclair ZX Spectrum fue un microordenador de 8 bits basado en el microprocesador Z80 de Zilog, fabricado por la compañía británica Sinclair Research y lanzado al mercado el 23 de abril de 1982.

En Europa, el Sinclair ZX Spectrum fue uno de los microordenadores domésticos más populares de los años 1980. Su optimizado y compacto diseño hizo las delicias de miles de aficionados a la informática y los videojuegos.

El hardware fue diseñado por Richard Altwasser y el software por Steve Vickers. El ZX Spectrum fue uno de los Microordenadores más usados y extendidos en Europa y parte de América durante la década de los años 1980 y principios de los 1990.

Con el paso de los años fueron apareciendo diversos periféricos como por ejemplo dispositivos de almacenamiento propios (ZX Microdrive), interfaces de disco (OPUS Discovery, DISCiPLE, Beta Disk), lápices ópticos, impresoras o mandos de juego (joysticks) que podían ser conectados por medio de la ZX Interface 2 u otras interfaces que salieron posteriormente al mercado.

Las características del ZX Spectrum original incluían:

Microprocesador Zilog Z80 a 3,5 MHz (bus de datos de 8 bits y bus de direcciones de 16 bits). Acompañando al procesador principal estaba la ULA (uncommitted logic array), encargada de realizar funciones auxiliares.

Dos configuraciones de RAM con 16 kB ó 48 kB. Es interesante señalar que, contrariamente a lo que el marketing podría haber recomendado, no se incluían los 16K de ROM de cada máquina. Así, la memoria total de ambos modelos era realmente de 32 y 64 kB, límite del direccionamiento de 16 bits.

Estos 16 kB de ROM incluían un intérprete del lenguaje BASIC SINCLAIR desarrollado por la compañía Nine Tiles Ltd. para Sinclair y que era una evolución del que ya desarrollaran para dos anteriores máquinas comerciales de la marca, el ZX-80 y el ZX-81, y de las que el Spectrum es continuador.

Teclado de caucho integrado en el ordenador en el modelo de 16 kB y en la primera versión de 48 kB. El teclado de caucho original oprimía dos membranas (4 en Plus) con pistas conductoras que servían para detectar la presión. Esta membrana solía ser la parte más frágil del ordenador y era habitual que a lo largo de los años fuera necesario cambiarla hasta varias veces.

Sistema de almacenamiento por cinta de casete de audio común a 1.200 baudios (la velocidad soportada por el sistema operativo en ROM, pero había juegos que usaban su propio sistema de carga "turbo" a mayor velocidad, aunque algo más propensos a producir errores de carga). Un juego de 48 kB tardaba una media de 5 minutos en cargar. Con "turbo", algo menos.

Posteriormente se desarrolló, una nueva carcasa, que consistía en un teclado mejorado con teclas duras y 4 capas de membrana, para permitir la pulsación de dos teclas de función en una sola, y la carcasa más profesional, con bordes cuadrados en lugar de redondeados, que llevó el nombre de ZX Spectrum Plus. Este desarrollo también se vendió como actualización y solía incluirse junto con una ampliación de memoria para los Spectrum de 16 kB, que añadía un botón de reset y una mejor ventilación.

En definitiva, el diseño del ordenador estaba increíblemente optimizado y exprimía sus aparentemente pequeñas posibilidades al máximo. Todas estas características convertían al ZX Spectrum en un equipo muy asequible y versátil, lo que acercó la microinformática a un elevado número de personas.

GAFAS 3D

2008-06-17T03:02:00.016+02:00

Los anaglificos fueron inventados por el físico alemán Rollmann en 1853.

Treinta y ocho años después, (1891) Ducos du Hauron, el genial inventor de la fotomecánica, realiza las primeras proyecciones publicas del invento de Rollmann y los primeros anaglifos impresos en papel. Tanto la proyección como la impresión se veían en blanco y negro.

Las impresiones Anaglificas realizadas por Ducos du Hauron, se hicieron imprimiendo la imagen de un ojo en color verde y la otra en Rojo. Desde entonces y hasta 1985-90 Editoriales de todo el planeta, han editado los Anaglifos por el mismo procedimiento.

Fue en los 50, cuando la consolidación de la televisión como medio de masas provocó que los directivos de Hollywood se estrujaran el cerebro buscando formas de llenar de nuevo las salas de cine, como los autocines y el 3D.

Ya en 1915 se estrenaron los primeros cortometrajes estereoscópicos en Nueva York (con escenas rurales o imágenes de las cataratas del Niagara). Siete años más tarde se rodaría el primer largometraje en 3D estereoscópico, The power of love, un melodrama de Nat C. Deverich.

Sin embargo, la primera película en 3D comercial a todo color fue Bwana, el diablo de la selva, de Arch Oboler, de 1952. La cinta, filmada con el sistema Natural Vision y plagada de bestias que parecían querer rasgar la pantalla del cine, fue un éxito que inauguró la pequeña edad dorada del cine en 3D estereoscópico.

Le siguieron títulos de ciencia-ficción como la psicotrónica Plan 9 del espacio exterior, de Ed Wood o la encantadora Robot Monster, dirigida por Phil Tucker en 1953. Una de las películas que más repercusión logró utilizando este sistema fue Los crímenes del museo de cera. Curiosamente, su director André De Toth era tuerto, por lo que nunca pudo experimentar la ilusión del cine en 3D.

Los espectadores se cansaron pronto del 3D, sobre todo porque el empleo de gafas especiales para ver las películas provocaba molestos dolores de cabeza y nauseas. Aún así, el visionario William Castle se sacó de la manga en 1960 el invento Ilusión-O, unas gafas que tenían dos tipos de visores, en función de que los espectadores quisieran ver o no los espectros que poblaban la película 13 fantasmas.

En los años 80 el cine en 3D volvió a las salas de cine, esta vez como añadido de secuelas poco imaginativas de Tiburón o Terror en Amityville. Los fans del género de terror recuerdan encantados la secuencia de la tercera parte de Viernes XIII en la que Jason Vorhees estruja una cabeza de la que sale disparado hacia la pantalla un globo ocular.

La construccion de unas gafas anaglificas es relativamente sencilla. Recorta estas gafas sobre una cartulina plegada en dos, entre ambos pliegues colocaremos los filtros, y a continuacion, encolaremos o graparemos las dos mitades.

Los filtros pueden ser simples pedazos de celofan o plastico, rojo para el ojo izquierdo, y azul verdoso para el derecho, si queremos mejorar los resultados, podemos hacer los filtros con pelicula de diapositiva expuesta a los colores mencionados.

CINE SERIE B Y SERIE Z

2008-06-15T03:06:00.010+02:00

-SERIE B

El cine Clase B [también llamado Serie B y en inglés B Movie (película B)], apareció en los tiempos del sistema de estudios de Hollywood, entre los años 1930 y 1960.

Clase B era una película realizada con bajo presupuesto y actores principiantes, no reconocidos o en decadencia. La clasificación se siguió usando después de la caída de dicho sistema y se asocia comúnmente a producciones de baja calidad (se relaciona con el cine bizarro).

La caída de la audiencia a las salas, a causa de la depresión económica de 1929 en Estados Unidos, obligó a presentar funciones dobles además de los estrenos. Además, se comenzó a ofrecer una segunda función que constaba de películas Clase B.

Así optaron por comenzar a pasar dos películas al precio de una. La segunda sería una película de bajo presupuesto, lo que transformaría a la principal atracción en película de Clase A, y a la suplementaria en película de Clase B.

Hacia 1935 las principales cadenas de cines habían adoptado este sistema de función doble. Al año siguiente el 75% de los cines habían adoptado el sistema de doble función.

Para esto todos los grandes estudios habían formado sus unidades especiales que se dedicaban exclusivamente a producir películas Clase B, manejadas por productores que conocían cada aspecto del cine de bajo presupuesto.

El cine Clase B fue el campo de prueba de muchos directores y propició las condiciones para que los cineastas experimentaran y crearan nuevos lenguajes o abordaran temáticas menos comunes.

-SERIE Z

A fines de la década de 1950, se dio origen a un subgenero del cine B, el cine de clasificación Z, que tenía un presupuesto aún mas miserable y una edición peor que su antecesor. Plan 9 From Outer Space, de Ed Wood, fue reconocida como primer película de serie Z que se hizo en la historia.

Normalmente suelen estar rodadas por muy poca gente, generalmente entre amigos. En su mayor parte son autoproducidas por los propios realizadores. Su formato de grabación es doméstico o semiprofesional (vídeo, 8 o 16 mm. o, actualmente, vídeo digital).

Su comercialización es inevitablemente el vídeo, aunque se han dado casos de películas de Serie Z que han alcanzado tal popularidad que se han proyectado en cine.

SUPER 8

2008-06-10T00:30:00.007+02:00

El Súper 8 es un formato de película cinematográfica que utiliza un fotograma de 8 mm de ancho; es una evolución del formato de 8 mm doméstico y del Cine 8.

Está pensado para el mercado doméstico; aunque fue adoptado rápidamente por los cortometristas para experimentar. Desapareció con la aparición de nuevos formatos de vídeo y sólo se utiliza en algunos cortometrajes para obtener una estética diferente respecto al vídeo.

A principios de los años 60 la empresa Kodak desarrolló el formato Super 8; este desarrollo pretendía lograr una evolución del formato de 8 mm doméstico y del Cine 8.

En Abril de 1965 Kodak introdujo en el mercado una nueva y mejorada versión del formato de 8mm, llamado Super 8. Tenía dos nuevas ventajas: la película venía dentro de un cartucho, lo cual facilitaba la carga de la cámara, y reducía el peligro del velado de las fotos. Además, se había mejorado el tamaño del cuadro en un 50%, que le permitía al Super8 competir con el 16mm.

A comienzos de los años 80, las cámaras de 8 mm fueron desplazadas por las de vídeo. Actualmente sólo son utilizadas en las escuelas de cine y vídeos musicales.

En entornos domésticos la película para filmar se vendía en cartuchos que se insertaban en las cámaras, también denominadas tomavistas.

El Super 8 precisa de más luz que el vídeo actual para filmar.

Al finalizar la película del cartucho, ésta se debe revelar en un laboratorio. Normalmente el precio de venta de los cartuchos incluía el revelado.

Una vez revelada la película se suministraba en una bobina, lista para usar en el proyector.

MIS TERRORES FAVORITOS

2008-06-07T13:16:00.007+02:00

MIS TERRORES FAVORITOS fué un programa presentado por Narciso Ibañez Serrador y Luisa Armenteros, que llevaba a cabo una antología de las más importantes películas de terror de la história del cine. Cada programa estaba compuesto por una divertida y a la vez macabra presentación que corría a cargo de sus presentadores, y que se emitía antes de la pelicula que tocara ese día.

Narciso Ibañez Serrador volvía a la pequeña pantalla para volvernos asustar de nuevo tal y como ya hizo con sus aclamadas 'Historias Para No Dormir' en la decada de los 60 en la Tv Española.

Las presentaciones estaban hechas al más puro estilo Hitchcockiano, tal y como el gran maestro Alfred Hitchcock hizó en la decada de los 60 en la televisión americana con sus programas 'Alfred Hitchcock Presenta y La Hora de Alfred Hitchcock'

Mis Terrores favoritos constó de 32 películas del género del suspense y del terror. Los programas se emitieron todos los lunes en la segunda cadena de TVE, antiguamente conocida como la UHF.

Al día siguiente todo el país comentaba el miedo que había pasado viendo la pelicula de turno, y una de las divertidas anecdotas que ocurrieron durante el transcurso del programa fué la inocentada que Narciso Ibañez gastó a todos los españoles cuando el 28 de Diciembre de 1981 todos estaban ante sus televisores esperando una pelicula de miedo y se encontraron con una excelente comedia, interpretada por los humoristas Abbot y Costello, titulada 'Agarrame a ese fantasma'.

LISTADO DE LAS 32 PELICULAS

1 . LA SEMILLA DEL DIABLO - Emitida el 12 Octubre de 1981
2 . DRACULA - Emitida el 19 Octubre de 1981
3 . EL FOTOGRAFO DEL PÁNICO - Emitida el 26 de Octubre de 1981

4 . PSICOSIS - Emitida el 2 de Noviembre de 1981
5 . JUEGOS - Emitida el 9 de Noviembre de 1981
6 . NO PROFANAR EL SUEÑO DE LOS MUERTOS - Emitida el 16 de Noviembre de 1981

7 . LOS CRIMENES DEL MUSEO DE CERA - Emitida el 23 de Noviembre de 1981
8 . ¿QUÉ FUÉ DE BABY JANE? - Emitida el 30 de Noviembre de 1981
9 . LA INVASIÓN DE LOS LADRONES DE CUERPOS - Emitida el 7 de Diciembre de 1981

10 . EL DOCTOR JEKYLL Y SU HERMANA HYDE - Emitida el 14 de Diciembre de 1981
11 . LA NOCHE DE WALPURGIS - Emitida el 21 de Diciembre de 1981
12 . AGÁRRAME A ESE FANTASMA - Emitida el 28 de Diciembre de 1981

13 . LA RESIDENCIA - Emitida el 4 de Enero de 1982
14 . LA ESCALERA DE CARACOL - Emitida el 11 de Enero de 1982
15 . EL OTRO - Emitida el 18 de Enero de 1982

16 . LA MALDICIÓN DE FRANKENSTEIN - Emitida el 25 de Enero de 1982
17 . SUSPENSE - Emitida el 1 de Febrero de 1982
18 . LA MOSCA - Emitida el 8 de Febrero de 1982

19 . LA CAMPANA DEL INFIERNO - Emitida el 15 de Febrero de 1982
20 . LAS CICATRICES DE DRÁCULA - Emitida el 22 de Febrero de 1982

21 . EL HÉROE ANDA SUELTO - Emitida el 1 de Marzo de 1982
22 . LA LEYENDA DE LA MANSIÓN DEL INFIERNO - Emitida el 8 de Marzo de 1982
23 . 39 ESCALONES - Emitida el 15 de Marzo de 1982

24 . ¿QUÉ FUÉ DE LA TIA ALICE? - Emitida el 22 de Marzo de 1982
25 . LA MOMIA - Emitida el 29 de Marzo de 1982
26 . EL INCREIBLE HOMBRE MENGUANTE - Emitida el 5 de Abril de 1982

27 . EL FANTASMA DE LA ÓPERA - Emitida el 12 de Abril de 1982
28 . EL ESTRANGULADOR DE RILLINGTON PLACE - Emitida el 19 de Abril de 1982
29 . UN GRITO EN LA NIEBLA - Emitida el 26 de Abril de 1982

30 . PÁNICO EN EL TRANSIBERIANO - Emitida el 3 de Mayo de 1982
31 . LA MUJER Y EL MONSTRUO - Emitida el 10 de Mayo de 1982
32 . LOS PÁJAROS - Emitida el 17 de Mayo de 1982

FAMOUS MONSTERS OF FILMLAND

2008-05-27T03:03:00.008+02:00

FAMOUS MONSTERS OF FILMLAND era una revista de cine de terror específica de género comenzada en 1958 por el editor James Warren y el redactor Forrest J Ackerman.

FAMOUS MONSTERS OF FILMLAND tambien conocida popularmente como FM al principio fue concebida como una publicación de un numero sin futuro perceptible, A raiz del "Shock" de programas de viejas películas de terror sindicadas a la televisión americana en 1957, FM se convirtio en un exito inesperado.

La primera publicación publicada en febrero de 1958, se vendio tanto que requirió una segunda edicion para satisfacer la demanda pública. En el futuro el exito de esta revista la converteria en parte de la cultura americana de masas.

El éxito incitó la aparicion de todo tipo de publicaciones similares a FM como "Spacemen", "Famous Westerns of Filmland", "Screen Thrills Illustrated", "Creepy", "Eerie", y "Vampirella".

Durante los años 70 empieza una pequena fase de declive, con la reedicion reiterada de antiguas publicaciones de los años 60. A principios de los años 1980, la revista cayo después de que Warren enfermara. La revista paró la publicación en 1983 después de una carrera de 191 publicaciones.

FM hainfluido en el trabajo de realizadores como Robert Zemeckis, Steven Spielberg, George Lucas o Joe Dante. La revista directamente inspiró la creación de muchas otras publicaciones similares en los años siguientes, Castle of Frankenstein, Cinefantastique, Fangoria, y Video Watchdog . FM Además ha Influido en cientos de los fanzines de fantasía, terror y Ciencia Ficcion hasta la fecha como por ejemplo Midnight Marquee y Little Shoppe of Horrors.

La revista fue resucitada en 1993 por Ray Farry, que trajo a Ackerman para participar en el nuevo lanzamiento de la revista. Después de sólo 10 publicaciones, Ackerman dejan su asociación con la revista. En España se tradujeron algunos numeros de esta publicacion asi como de Fangoria.

RIC STULTZ

2008-05-09T14:56:00.008+02:00

Ric Stultz vive y trabaja en Milwaukee, Wisconsin. Divide su tiempo entre la pintura tradicional e ilustraciones digitales comerciales.

Su imagen es una combinación de caracteres graffiti, dibujos animados, libros de historietas, animación japonesa y arte.

Los trabajos de Ric Stultz han sido expuestos internacionalmente y figuraron en más de una docena de publicaciones, entre ellas la revista Rojo (Barcelona), Arkitip Magazine (Luisiana), Mikosa Magazine (Amsterdam), theMAKE (Vancouver) y Vuelo Cancelado (NY). Su ilustración figura en MTV, Heavy rotación, camisetas Graniph Japón, Armada Esquís, y Bomp Records.

"Mis pinturas son sobre la vida cotidiana de una ciudad contemporánea. Concentro mi tiempo contemplando los matices de esta existencia, las personas nos comunicamos con los pequeños y los complementos que dependen de ellos".

BENJAMIN LACOMBE

2008-05-09T01:06:00.009+02:00

Benjamin Lacombe es un estupendo ilustrador francés nacido en Paris que trabaja principalmente para libros infantiles y cómics.

Benjamin Lacombe estudio artes plasticas. Mientras estudiaba, el hizo algunos trabajos en estudios de animacion y comenzo como un artista de publicidad.

En 2001, comenzo a estudiar artes decorativas. comenzo una serie de historietas "L´Esprit du Temps", con Editions Soleil en 2003.

Estos son los libros que ha publicado:

-L'esprit du temps tome 1 - 2003 (Editions Soleil)
-Le petit chaperon rouge - 2004 (Editions Soleil Jeunesse)
-L'esprit du temps tome 2 - 2005 (Editions Soleil)
-Cerise-Griotte - 2006 (Editions Seuil Jeunesse)
-Le chat botté - 2006 (Editions Hatier)
-Longs cheveux - 2006 (Editions Talents Hauts)
-Pourquoi la carapace de la tortue... - 2006 (Editions Seuil Jeunesse)
-Destins de Chiens - 2007 (Editions Max Milo Jeunesse)
-Cherry and Olive - 2007 (Editions Bloomsbury US)
-La funeste nuit d'Ernest - 2007 (Edition Sarbacane)
-Raconte moi encore un conte - 2007 (Collectif Edition Tourbillon)
-Les Amants Papillons - 2007 (Edition Seuil Jeunesse)

AMAZING STORIES

2008-05-07T03:07:00.014+02:00

Una mañana de abril de 1926 la ciencia ficción cambió para siempre, y con ella, la existencia de miles de aficionados que recordarían aquel día como el más importante de su vida. Se trataba del surgimiento de Amazing Stories, la primera revista del mundo dedicada exclusivamente a este género, que advertía contundente: "Hoy ficción extravagante... mañana hecho irrefutable".

Con esto Hugo Gernsback (1884-1967) cumplía uno de sus más grandes sueños: dirigir una revista que incluyera "relatos científicos" mediante los cuales se pudiera enseñar verdadera ciencia. De ahí la leyenda que seguía al titulo: "La revista de cientificción".

Aquel primer número, de 21x27 centímetros, causó una sorpresa inmediata, empezando por la portada que invadió todos los puestos de periódicos. En ella se veían dos barcos varados en un par de montañas de hielo, ubicadas muy cerca de Saturno; el planeta permanecía en lo alto de un cielo amarillo pálido, junto a una diminuta luna azul.

En la parte inferior se anunciaban los autores de los relatos de ese primer volumen. Eran H. G. Wells, Julio Verne y Edgar Allan Poe. Dentro aparecían también los cuentos de George Allen England, Austin May y G. Peyton Wertenbaker, luego convertido en el famoso escritor Green Peyton. Todos al bolsillo por tan sólo 25 centavos.

"La revista contenía una embriagadora mezcla de autores e iba bien dirigida, sobre todo, a un público adolescente y masculino. (...) Durante los primeros años, dependía de las reediciones de obras de autores célebres, puesto que las nuevas voces eran muy escasas en el género de la narrativa fantástica", explica Forrest Ackerman, el mayor coleccionista de objetos de ciencia ficción de todo el mundo, en su libro Ciencia Ficción (Evergreen, 1998).

En tanto, las ilustraciones que aparecían en la portada, realizadas en su mayoría por el artista Frank R. Paul, seguían deleitando cada mes a millones de fanáticos que alucinaban con mutantes de ocho ojos, arañas metálicas, civilizaciones ultra modernas o naves surcando el universo hacia planetas desconocidos.

El mismo Gernsback había empezado a publicar en 1911 en la revista Modern Electrics su novela Ralph 124C 41+ (fórmula matemática que se lee One to forsee for one, o sea, el que prevé para el otro). En ella uno de sus personajes utiliza un telefotógrafo, una especie de teléfono con monitor integrado, tal y como se ve actualmente.

También concibió los microfilms, la "música enlatada" en restaurantes y bares, un aparato capaz de grabar el pensamiento —muy semejante a un detector de mentiras— la seda y la lana artificiales, y las bombillas fluorescentes. En total, 80 patentes llevan su nombre.

Muchas otras publicaciones surgieron, entre ellas una que pretendía competir seriamente con Amazing Stories. Se trataba de Astounding Stories, surgida en 1930 con un costo de 20 centavos. Su director, Harry Bates, ganó celebridad gracias a que publicó el relato "Farewell to the Master", que fue adaptado al cine como Ultimátum a la Tierra, todo un clásico.

El escritor Hugo Gernsback tiene el honorable mérito de haber bautizado con el nombre de "Ciencia Ficción" al género que cultivó desde muy joven. Antes había propuesto "Ficción Científica", sin embargo era de difícil pronunciación, además de que se repetía la sílaba fic (Scientific Ficcion). Según explica Isaac Asimov en Sobre la Ciencia Ficción (Sudamérica, 1999), Gernsback eliminó una de las sílabas quedando "cientificción". Al final quedó como "Ciencia Ficción". En su primer número de Science Wonder Stories¸ publicado en junio de 1929, usó el término por primera vez .

Entre sus valiosas aportaciones está la importancia que le dio al fundamento científico en las historias que escribió, como en Ralph 124C 41, en la que ya vislumbraba un teléfono con monitor integrado. Actualmente los premios de la sociedad Mundial de Ciencia Ficción que se otorgan cada año a los mejores productos de ciencia ficción, llevan su nombre. Murió en Nueva York en 1967.

OMAR RODRIGUEZ LOPEZ

2008-05-01T13:02:00.018+02:00

Omar Rodríguez-López nacio el 1 de Septiembre de 1975 en Bayamon, Puerto Rico. Ha pasado la mayoría de su carrera trabajando, y a menudo viviendo, con su gran amigo, Cedric Bixler-Zavala. Ambos tocaron juntos en la banda de post-hardcore At the Drive-In.

Mientras pertenecían a dicha banda, formaron una banda dub reggae llamada DeFacto. En el 2001, ambos dejaron At the Drive-In, de la cual eran integrantes desde 1993, en «interrupción indefinida» para formar la banda «The Mars Volta».

Además, Cedric aparece en el disco A Manual Dexterity: Soundtrack Volume 1 de Rodríguez-López, banda sonora de la película, del mismo nombre, de Rodriguez-López. La fecha de lanzamiento de esta película ha sido pospuesta indefinidamente.

Como guitarrista, Rodríguez-López es conocido por su estilo experimental, creativo y atonal, caracterizado por acordes inusuales y progresiones complejas y cambios frecuentes de compás, solos altamente elaborados e improvisados y experimentación sin descanso.

Rodríguez-López dice saber muy poco de teoría musical, aunque las melodías en los solos del primer álbum de «The Mars Volta» De-loused in the Comatorium demuestran una significativa habilidad y variedad.

Omar Rodriguez es un guitarrista visionario y moderno en términos de innovación y experimentación. Su estilo muestra una gran semejanza al guitarrista de King Crimson, Robert Fripp ya que ambos guitarristas usan armonías atonales y tritonales.

Parece ser que Fripp tiene una considerable influencia en Rodríguez-López. Sin embargo, Rodríguez ha dicho que sus principales influencias artísticas no han sido musicales, a excepción de su gurú, el pianista de salsa Larry Harlow.

Rodríguez cita al comediante Lenny Bruce, el director de cine Werner Herzog, y el antropólogo Carlos Castañeda como tres influencias importantes. El hecho de que estas personas no sean músicos resalta el acercamiento no convencional de Rodríguez a su medio, diferenciándolo de otros guitarristas de esta era y pasadas.

DISCOGRAFIA COMO OMAR RODRIGUEZ LOPEZ
* A Manual Dexterity: Soundtrack Volume 1 (2004)
* Omar Rodríguez (2005)
* Please Heat This Eventually (2007) como Omar Rodriguez-Lopez & Damo Suzuki
* Se Dice Bisonte, No Bùfalo (2007) como Omar A. Rodriguez-Lopez
* Omar Rodriguez-Lopez & Lydia Lunch (2007) como Omar Rodriguez-Lopez & Lydia Lunch
* The Apocalypse Inside of an Orange (2007) como El quinteto de Omar Rodriguez-Lopez
* Calibration (2007) como Omar A. Rodriguez-Lopez

CHRIS WARE

2008-04-30T03:27:00.015+02:00

Franklin Christenson Ware (28 de diciembre de 1967) es un dibujante de tebeos estadounidense, principalmente conocido por su serie The Acme Novelty Library y la novela gráfica Jimmy Corrigan. Nacido en Omaha, Nebraska. Actualmente reside en Oak Park, Illinois.

Su novela gráfica Jimmy Corrigan, le ha permitido obtener el reconocimiento tanto de la crítica como del público, siendo publicada en múltiples países y habiendo obtenido abundantes galardones (ganó, entre otros, el Guardian First Book Award en 2001 —siendo la primera vez que una novela gráfica gana un premio literario en el Reino Unido— así como el premio al mejor álbum en el Festival del Cómic de Angulema, Francia en 2003).

Su obra, además, ha salido de los medios impresos para llegar a los circuitos habituales del arte, siendo expuesta en diversos museos, como el Whitney Museum of American Art (2002) y el Museum of Contemporary Art, Chicago (2006).

Su estilo, inspirado principalmente en los dibujantes de tebeos estadounidenses de principios del siglo XX (Winsor McCay y Frank King, entre otros) y el diseño gráfico de las publicaciones de dicha época, aunque a veces acusado de frío, demuestra un dominio exquisito de las capacidades del medio, así como un afán continuo de experimentación, pudiendo considerarse a Chris Ware como unos de los principales renovadores del género en la actualidad.

Con 16 años se traslada a Texas, estudiando Bellas Artes en Austin. Por entonces, los intereses de C. Ware se centran en la cultura hippy, el consumo de marihuana y el comic underground, especialmente los creados por Robert Crumb. Una vez abandonada esta época de su vida, sus intereses se decantan por el género de la ciencia-ficción; es entonces cuando crea al personaje Floy Farland.

Sus primeras obras publicadas pertenecen al periodo 1986-1991, durante el cual realiza tiras de prensa para el diario universitario Daily Texan, en el que primero trabaja como asistente gráfico, para terminar dibujando historietas.

Jimmy Corrigan, el chico más listo del mundo, se publicó en España en 2004, (Planeta de Agostini).

Argumentalmente Ware hace un uso, a lo largo de su obra, de distintos personajes. Sin embargo, ellos y/o las situaciones en las que se ven envueltos, comparten características comunes: abandono, desaliento, soledad, falta de comunicación, incomprensión, inseguridad, …

SONIA PUGA GARCIA

2008-04-28T02:14:00.008+02:00

Sonia Puga Garcia es de Granada y tiene 31 años. Estudio Bellas Artes en su ciudad en la especialidad de Diseño Grafico y lleva dibujando desde pequeña, segun ella lo que mas le apasiona en la vida es dibujar, dibujar y dibujar.

Actualmente es profesora de dibujo tecnico y artistico en la Escuela de Arte de Motril en la costa granadina.

Ademas de esto hace exposiciones. Al principio hacia dibujos y acuarelas, pero se paso a la pintura realizando cuadros grandes y llenos de color aunque confiesa que lo que mejor se le da es el lapiz ya que con el consigue efectos y una rapidez que no consigue con la pintura. Le gustan los colores puros, rojo, naranja, blanco y negro.

Ha realizado varios trabajos de diseño y suele preparar todos los años carteles y marcapaginas para el dia del libro, que son repartidos por las Bibliotecas de Granada.

Podeis ver su trabajo en http://soniapg.blogspot.com/

JULIAN BEEVER

2008-04-26T21:07:00.011+02:00

Julian Beever es un artista británico que se dedica a dibujar con tiza. Ha creado dibujos de tiza en 3D en el pavimento utilizando un método llamado anamorfosis que crea una ilusión óptica. Sus dibujos en las calles desafían las leyes de la perspectiva.

Aparte del arte en tres dimensiones, Beever pinta murales y réplicas del trabajo de grandes maestros del arte. Usualmente lo contratan para crear murales para compañías.

Asimismo se dedica a la publicidad y el marketing. Ha trabajado en el Reino Unido, Bélgica, Francia, Holanda, Alemania, los Estados Unidos, Australia y España.

Desde el 2004 una cadena de correo con algunas de las obras de Beever ha estado circulando por Internet. El juego visual que proponen las imágenes ha sido confundido por muchas personas como producto de una edición fotográfica.

EN TUS BRAZOS

2008-04-24T02:12:00.007+02:00

“Yo me cegué en tus ojazos y fui a caer en tus brazos. Y entre tus brazos yo fui feliz, porque te amé con delirio. Yo fui a caer en tus brazos y así llegué hasta el martirio. Te juro que enloquecí, cuando por dentro me vi, y comprendí lo que hacía. Quiero mirar hacia Dios, aunque me muerda el dolor, aunque me cueste morir"

Magnifica animación producida por los franceses François-Xavier Goby, Edouard Jouret y Matthieu Landour que muestra como nada puede separar una pareja de bailarines de tango.

Los temas son "En Tus Brazos" de Alfredo de Angelis y Oscar Larroca y "El Huracán" de Edgardo Donato.

CAMILLE ROSE GARCIA

2008-04-23T12:24:00.011+02:00

Camille Rose Garcia nació en Los Ángeles y creció en el barrio de Orange County. Visitaba a menudo Disneylandia y acudía a conciertos de punk con el resto de los jóvenes desencantados de su zona.

Sus pinturas en la que aparecen tenebrosos niños viviendo desoladores cuentos de hadas son, en realidad, comentarios críticos a los fallos del sistema capitalista.

Las principales influencias de Camille son, entre otros, Phillip K. Dick, William Burroughs, Henry Darger, Walt Disney, así como las bandas The Clash y Dead Kennedys.

Sus trabajos se han publicado en medios como Flaunt Magazine, Rolling Stone, Juxtapoz, Paper Magazine…

Su obra ha sido expuesta a nivel internacional en países como España, Alemania e Italia así como en las metrópolis americanas de Los Angeles y New York.

Su arte forma parte del movimiento denominado ‘Pervasive Art’ localizado en LA, donde reside.

COCO ROSIE

2008-04-22T03:18:00.012+02:00

CocoRosie es un dúo norteamericano formado en 2003. Estilísticamente se podría clasificar su música como indie rock, indie electrónico o "dream pop",se caracterizan por un uso de la voz rasgada y despreocupada y de sintetizadores que a veces se reducen a simples sonidos de juguetes infantiles.

Sus miembros, Bianca y Sierra Casady, son hermanas. Ambas son vocalistas. Sierra toca la guitarra y la flauta, mientras que Bianca se encarga de la percusión.

Las dos hermanas nacieron en Norteamérica, pero crecieron separadas. Se encontraron en París en 2003 y grabaron juntas su primer álbum: La Maison de mon Rêve, que vio la luz en 2004 con el sello Touch and Go Records.

Durante el año 2004 no pararon de dar conciertos en Estados Unidos y Europa, giras en las que tocaron con TV on the Radio, Bright Eyes y Devendra Banhart, entre otros.

DISCOGRAFIA

-La Maison de Mon Rêve (lanzado el 9 de marzo del 2004, por Touch and Go/Quarterstick Records)
-Noah's Ark (lanzado el 13 de septiembre del 2005, por Touch and Go/Quarterstick Records)
-The Adventures of Ghosthorse and Stillborn(lanzado el 10 de abril del 2007, por Touch and Go)

EP'S

-Beautiful Boyz (lanzado el 14 de septiembre del 2004, por Touch and Go/Quarterstick Records)

SIMON BISLEY

2008-04-21T01:15:00.017+02:00

SIMON BISLEY (4 de marzo de 1962, Inglaterra)
Simon Bisley es uno de los más originales y personales dibujantes surgido en los últimos años del Reino Unido. Con una estética a medio camino entre Richard Corben y Bill Sienkiewicz, Bisley se caracteriza por unas imágenes cargadas de violencia y con unas chicas de exuberantes formas.

Su particular dibujo mezcla el uso de los lápices con la acuarela y el acrílico, usando un estilo caricaturesco que endulza un poco la extrema violencia de la narración.

Bisley, si bien demostró desde bien pequeño sus aptitudes para el dibujo, empezó trabajando en el ramo de la construcción antes de dedicarse plenamente al cómic. Pero, por suerte para nosotros, dejó ese duro trabajo cuando la editorial Fleetway le ofreció trabajo como ilustrador.

Tras realizar distintas historias cortas con el nombre de Steve Bisley y después de alcanzar cierto éxito con ABC Warriors, se decide a usar su verdadero nombre con la aclamada serie Sláine. También fue responsable de los lápices de Judge Dredd, la serie estrella de 2000AD. Un personaje que era perfecto para el extraordinario trazo del autor.

Pero su completo salto a la fama fue cuando la editorial DC le encarga los lápices de uno de sus personajes más peculiares: Lobo. Los sarcásticos y destructivos guiones de Alan Grant para la serie permitieron a este joven autor dar rienda suelta a sus más violentos y divertidos instintos. Gracias a este dúo, Lobo pasa a ser uno de los personajes más interesantes de DC.

También son remarcables sus crossovers Batman vs. Judge Dredd, Batman/Lobo o The Authority vs. Lobo y el especial Bad Boy con guión de Frank Miller.

Bisley también ha hecho sus pinitos en el cine, como diseñador de alienígenas en Héroes fuera de órbita (Galaxy Quest, 1999) y como guionista en Heavy Metal 2000 (2000).

KILLER BEAN FOREVER

2008-04-19T01:36:00.003+02:00

Después de haber sido el responsable de animación de Matrix Reloaded, Jeff Lew decidió crear su propia película de animación. Durante 4 años, ha estado trabajando 14 horas al día, 7 días a la semana, delante de su ordenador. También afirma haber invertido todos sus ahorros y haberse endeudado al máximo para lograr su sueño. Finalmente, después de todo este esfuerzo y sacrificio, nos presenta el trailer de la película: Killer Bean Forever.

JON BURGERMAN

2008-04-18T00:32:00.017+02:00

Jon Burgerman se define a si mismo como alguien que dibuja, pinta, navega por internet y duerme.

Este ilustrador inglés es conocido por su frenético y enigmático trabajo que abarca desde el dibujo de caracteres siguiendo los métodos más tradicionales a la animación de personajes.

Ha creado su propio estilo y cualquiera de sus trabajos se identifica rápidamente.

ON THE WALL

On The Wall es una exposición de dibujos improvisados en la pared, realizados por Jon Burgerman, los mismos sangran más allá de las paredes inundando diferentes objetos de la galería. El trabajo hecho a mano es impresionante!

METROPOLIS

2008-04-17T02:30:00.013+02:00

Metrópolis es un filme alemán realizado por la productora UFA. Se trata de una película de ciencia ficción dirigida por Fritz Lang, cuya trama se desarrolla en una distopía urbana futurista. Este filme fue lanzado originalmente en el año de 1927, antes de la cinematografía sonorizada. Se lo considera uno de los máximos exponentes del expresionismo alemán en las artes cinematográficas.

El guión fue escrito por Fritz Lang y su esposa Thea von Harbou, inspirándose en una novela de 1926 de la misma von Harbou.

Metrópolis se apoya por un lado en el marxismo: hay dos clases sociales claramente diferenciadas y separadas, en las que una explota a la otra sin que haya posibilidades de medrar. La “alienación del trabajo“ podría relacionarse con que haya algunas máquinas sin una utilidad reconocible.

Por otro lado también se critica el ideal de revolución socialista. El personaje del Robot María, representado claramente como malvada, lanza a los trabajadores a la lucha, y como resultado destrozan su medio y sustento, empeorando su situación en lugar de mejorarla.

La colaboración entre clases sociales, en lugar de la lucha de clases, recuerda sin embargo al nacionalsocialismo y su ideología, pues era la estructura económica corporativista que defendía el programa del Partido Nacional-Socialista de los Trabajadores de Alemania (NSDAP).

La parábola de la Torre de Babel está cambiada: en la variante que se muestra los arquitectos y los trabajadores hablaban una misma lengua pero no se entendían; tampoco hay un Dios. Del cristianismo se toma la figura de María, que personifica el Bien, así como el anuncio de la venida de un Redentor.

Lang dio a entender más tarde que la idea del corazón como mediador entre la mano (la fuerza del trabajo) y el cerebro (la capacidad directora de la sociedad) era falsa y que por ello ya no le gustaba esta película. Tras esta opinión se escondía la situación social que se vivía y no un conflicto de orden moral. Aunque la tésis central del cerebro, la mano y el corazón pertenece a Thea von Harbou, él era responsable de la misma, al menos en parte, como director de la película que era. Lang, en realidad, estaba mucho más interesado en los aspectos técnicos y arquitectónicos del film que en el trasfondo político de la trama.

El discreto éxito de la película entre el público de aquellos años también puede explicarse por ello, ya que la imagen social desarrollada en la historia se opone a las a penas cuestionadas creencias en el progreso que se tenían entonces. El género de ciencia-ficción del cine mudo presenta la utopía, por lo general, en positivo, mientras que Lang recurre a la esclavización de los tiempos bíblicos para representar el futuro. Las monumentales máquinas de la ciudad subterránea proporcionan a las clases bajas una vida indigna, la masa humana es fácilmente manipulabe y se practican ritos medievales como la quema de brujas.

TRAMA

En una megalópolis del año 2000 los obreros viven en un gueto subterráneo donde se encuentra el corazón industrial con la prohibición de salir al mundo exterior. Incitados por un robot se rebelan contra la clase intelectual que tiene el poder, amenazando con destruir la ciudad que se encuentra en la superficie... pero Freder (Gustav Frölich), hijo del soberano de Metrópolis, con la ayuda de la hermosa María (Brigitte Helm) de origen humilde, intentarán evitar la destrucción apelando a los sentimientos y al amor.

ESTRADASPHERE

2008-04-15T13:22:00.007+02:00

Estradasphere es una agrupación musical independiente originaria de Santa Cruz (California), Estados Unidos que surgió hacia fines de los 1990s. Formándose alrededor de los miembros principales Tim Smolens (bajo), Timb Harris (violín) y Jason Schimmel (guitarra), son conocidos por todo Estados Unidos.

Estradasphere son famosos por su estilo musical ecléctico. Con frecuencia sacan inspiración de géneros como jazz, funk, tecno, música clásica, pop, metal, New Age, música latina, de los balcanes, griega y gitana, entre otros estilos. Han sido influenciados por artistas como los Beach Boys y Sleepytime Gorilla Museum, siendo comúnmente comparados con la banda Mr. Bungle. Ellos también suelen tocar temas de programas televisivos y juegos de video como Super Mario Bros.

Estradasphere fue merecedor de cierto número de elogios por su disco Buck Fever, pero hasta el momento siguen sin lograr gran éxito comercial. Al parecer, los miembros de la banda están conformes con esto y consideran que ser menos populares en el ámbito musical crea una experiencia más personal con sus fans. Algunos seguidores de Estradasphere han mostrado su aprecio por el grupo de maneras excentricas; Tal es el caso de un seguidor quien se llama a sí mismo "Sheepman" (Hombre oveja) y aparece en los conciertos de Estadasphere disfrazado de oveja.

DISCOGRAFIA

It's Understood (LP) (2000)
These Are The Days (VHS) (2000)
The Silent Elk of Yesterday (EP) (2001)
Buck Fever (LP) (2001)
Quadropus (LP) (2003)
Passion for Life (LP/DVD) (2004)
These Are The Days (DVD Reedición) (2005)
Palace of Mirrors (LP) (2006)
Palace of Mirrors (live) (2007)
The pegasus vault (2008)

VERNER PANTON

2008-04-15T00:51:00.012+02:00

El danés Verner Panton (1926-1998) fue uno de los diseñadores más vanguardistas del siglo XX, uno de los que contribuyeron a consolidar la estética propia de los años sesenta y el creador de soluciones que han pervivido hasta hoy.

'El mensaje de Panton era el experimento de formas, colores y sistemas de producción'. Verner Panton, formado en el estudio del arquitecto Arne Jacobsen, con el que colaboró en la concepción de la famosa silla Hormiga, rompió ya en los años cincuenta con la tradición del diseño nórdico, austero y artesano, para inclinarse por la experimentación con colores, formas geométricas y sistemas de producción lo más industriales (y baratos) posible. 'Se está más cómodo sentado en un color que nos gusta'.

Sus primeras propuestas, fueron las sillas Cono (sostenidas sobre el vértice mediante una simple aspa metálica) o asientos hinchables de plástico transparente que datan de 1960, pero su consagración fue la silla que lleva su nombre, la primera realizada en poliestireno monobloque, lanzada en 1966. Es uno de los modelos que figuran en el Museo Vitra, dedicado sobre todo a las sillas.

También proyectó habitaciones como 'entornos totales', borrando las fronteras entre suelo, muebles y techos, uniformándolos mediante color y geometría, o mediante el diseño de elementos (living towers) que podían ser a la vez mesas, asientos o paredes. Su propuesta más avanzada fue Paisaje de fantasía, un espacio con el que cumplió un sueño infantil: una habitación llena de cojines de colores.

En 1971 colaboró con Joe Colombo y Oliver Mourgue en la concepción de la exposición Visiona 2 para Bayer. Obtuvo numerosas distinciones, incluidos dos premios A.I.D.. Residia en Suiza.

KATSUHIRO OTOMO

2008-04-13T04:09:00.014+02:00

Katsuhiro Otomo, nacido el 14 de abril de 1954 en Hasama en la prefectura de Miyagi, Japón. Es un dibujante de manga, director de anime, y guionista tanto de manga como anime. Se le conoce principalmente por ser el director de Akira, una de las películas más influyentes del anime, así como por ser el artista/guionista del manga original en el que se basa la película.

Como adolescente que creció en los turbulentos sesenta, Otomo veía por todos lados las manifestaciones de tanto estudiantes como trabajadores contra el gobierno japonés. Este periodo de cambio es lo que creo el Japón que hoy en día conocemos - un Japón con un fuerte contraste con el Japón ocupado tras la segunda guerra mundial. Las revueltas, manifestaciones y en general la situación caótica de esa época, le sirvieron como inspiración para su trabajo más conocido, Akira.

La animación de este periodo (especialmente los trabajos que salían de los estudios de animación de Tokio, Mushi Production y Toei Doga) influenciaron al joven Otomo. Trabajos como Gigantor, Astro Boy y Hols, príncipe del sol incitarían a Otomo a desarrollar su carrera dentro del mundo de la animación. Sin embargo, fueron los filmes provenientes de Estados Unidos los que encauzaron su naturaleza rebelde. Mi vida es mi vida y Easy Rider le servirían de inspiración para el personaje de Shotaro Kaneda y su banda de motoristas en Akira: jóvenes rebeldes que tomaban demasiadas drogas y no se preocupaban de la autoridad o de la presión puesta sobre ellos por la generación de sus padres.

BIBLIOGRAFIA
The Gun Report (1973).
Highway Star (1975-1978)
Short Piece (1979)
Fireball (1979)
Pesadillas (Domu, 1980)
Good Weather (1981)
Sayonara Nippon (1981)
Kibun wa mou sensou (1982)
Jiyu o warera ni (1982)
Akira (1982-1990)
Memorias (1990)
La leyenda de madre Sarah, (1990-1996)
SOS Dai Tokyo Tankentai (1996)
The Memory of Memories (Artbook) (1996)
Hipira (2002)

FILMOGRAFIA
Jiyu wo warerani (1982)
Genma Daisen
Labyrinth Tales' (Manie-Manie 1987) conocido también como Neo-Tokio
Lab (1987)
Akira (1988)
World Apartment Horror (1991)
Roujin Z (1991)
Robot Carnival (1987)
Memories (1996)
Spriggan (1998)
Metropolis (2001)
Steamboy (2004)
Mushi-shi ((2007)
Freedom Project (6 ovas) 2007

MAD MONSTER PARTY?

2008-04-12T12:16:00.013+02:00

Mad Monster Party es una pelicula de animacion que se dio a conocer en 1967 por Embassy Pictures for Rankin/Bass Productions, Inc.

La pelicula fue creada utilizando Rankin/Bass "Animagic" proceso de la animacion stop motion. El proceso consistio en fotografiar figuras todavia en tiros y re-posicionamiento de ellos despues de cada disparo, el mismo enfoque utilizado en el Art Clokey 's Davey y Goliat y el simio gigante en el King Kong original. Kong, de hecho, presento una aparicion en esta pelicula, aunque debido a cuestiones de derechos se le conoce como "It".

Esta pelicula es una parodia de temas de horror, con numeros musicales y humor.
Creada por Mad Magazine, Harvey Kurtzman escribio el guion y Jack Davis diseño muchos de los personajes. Davis fue perfecto para el trabajo, siendo famoso por su humor y su labor haciendo historias de monstruos en las paginas de EC Comics.

El aspecto de las criaturas en esta pelicula, fue muy influyente en Pesadilla antes de Navidad de Tim Burton.

PROTAGONISTAS: Boris Karloff, Phyllis Diller, Allen Swift

CHARLES BURNS

2008-04-12T00:22:00.013+02:00

Charles Burns, nacido en 1955 en Washington, se aficionó a los tebeos gracias a series como Li'l Abner, Pogo, la revista Mad y a comics europeos como Tintín.

Al mismo tiempo llegaría la afición a las películas de terror de serie B, la novela negra, la estética de los años 50 y los comics de Robert Crumb.

En 1981 empieza a publicar en la mítica revista Raw de Art Spiegelman, pero su estilo definitivo se vería posteriormente en Heavy Metal, para la que crea El Borbah, publicado casi en su totalidad en El Víbora.

Ha colaborado en las revistas americanas Rolling Stone, The New Yorker y The New York Times Magazine. Misterios de la Carne fue el título de un álbum que Ediciones La Cúpula editó en 1990, recopilando diversas historias cortas.

En la colección BRUT, también en La Cúpula, han aparecido El Club de Sangre, Burn Again y la serie Agujero Negro.

MADAME TUTLI-PUTLI

2008-04-11T01:00:00.007+02:00

CORTOMETRAJE
35mm / 17' / Muñecos y 3D / 2007 / Canadá

NOMINADO AL MEJOR CORTO DE ANIMACION OSCARS 2008

Madame Tutli-Putli sube al tren nocturno. Cuando cae la noche, se ve de pronto sola, atrapada en una desesperada aventura metafísica. Perdida entre el mundo real y el imaginario, Madame Tutli-Putli es arrastrada por una resaca de misterio y suspense.

CHRIS LAVIS / MACIEK SZCZERBOWSKI

Chris Lavis y Maciek Szczerbowski terminaron su primera película profesional, Madame Tutli-Putli, producida por el National Film Board of Canada. Además de la dirección, Chris y Maciek tienen otras facetas como la de animadores, escultores, artistas de collage, guionistas y directores artísticos, En 1997 fundaron Clyde Henry Productions, una productora con sede en Montreal especializada en multimedia, animación stop-motion y efectos visuales. Sus premiadas ilustraciones, vídeos musicales y diseños para televisión han recibido una muy buena acogida por parte del público, y lograron convertir The Untold Tales of Yuri Gagarin, una tira cómica publicada por la revista Vice en un cómic de culto.

PREMIOS

Worldwide Short Film Festival of Toronto 2007-2008: Premio C.O.R.E. Digital Pictures al Mejor Cortometraje de Animación.
International Film Festival of Cannes 2007-2008: Petit Rail d'Or al Mejor Cortometraje.
Canal + al Mejor Cortometraje.

GOD IS A ASTRONAUT

2008-04-08T13:23:00.008+02:00

God is an Astronaut es una banda de post-rock instrumental irlandesa.

Se formaron el año 2002 y el mismo año lanzaron su álbum debut The End of the Beginning bajo su propio sello discográfico llamado Revive Records Label. Tienen dos videos musicales para sus temas The End of the Beginning y From Dust to the Beyond que fueron transmitidos por MTV del Reino Unido y por MTV Europa.

All is Violent, All is Bright lanzado en el año 2005, fue el segundo lanzamiento de la banda. Este álbum se estructura desde tranquilas melodías a otras más intensas y ofrece una representación fiel a su sonido real. El single Fragile ha sido reproducido en cadenas europeas de MTV.

El año 2006 lanzan un EP llamado A Moment of Stillness, y en abril del año siguiente lanzan un nuevo álbum llamado Far From Refuge

Las presentaciones en vivo de la banda hacen uso de proyecciones editadas por ellos mismos con arreglos luminosos para lograr lo que ellos mismos llaman un "show audiovisual completo". Cada canción va acompañada de su propio video.

CONAN

2008-04-08T02:11:00.012+02:00

El hombre que no teme a humano o a bestia nació en el lejano Norte durante la mítica Edad Hybórea, antes de que los océanos hundieran a Atlantis. Y también nació en Cross Plains, Texas, cuando el siglo XX apenas comenzaba.

Más de veinticinco relatos escritos por Robert Erwin Howard y un sinnúmero de secuelas escritas por otras manos en más de cien publicaciones y recopilaciones cuentan las hazañas de un bárbaro que ascendió desde el fango de las calles de Zamora, la ciudad de los ladrones, hasta el trono de Aquilonia, vistiendo la armadura como mercenario para muchos de los reinos hiborios y pilotando naves piratas en la Costa Negra bajo el apodo de Amra el León, y de paso ganándose las caricias y a veces el corazón de bellas y exóticas princesas, guerreras y ladronas.

El concepto primario detrás de la montaña muscular, iracunda y asesina de Conan El Cimmerio es el ser humano simple y mortal cuyo mayor poder radica precisamente en su propia mortalidad y, sobre todo, en la conciencia que la acompaña y que le permite acometer las más osadas hazañas sin temor. Por eso Conan sólo teme a la Magia: inmaterial, incomprensible e imposible de combatir por el único medio que Conan conoce y domina: el filo de la espada.

Ese concepto fue el que ofreció a Conan la posibilidad de conquistar, además de reinos, las estanterías de millones de lectores masculinos – y muy pocos femeninos – que encontraron en el personaje un reflejo de sus más básicas aspiraciones: fuerza bruta y mujeres hermosas. Cabe anotar, sin embargo, que una de las mayores virtudes del cimmerio es su primario código de honor que le obliga a respetar profundamente a la Mujer, impidiéndole maltratarla o forzarla. Toda una lección para ciertos abundantes bárbaros contemporáneos que se creen bastante masculinos.

Otra de las características del Cimmerio es su estrecho lazo con su creador. Conan no es sino el Alter Ego ideal del propio Robert E. Howard, quien buscaba en las aventuras de su gigantesca proyección un alivio para un mundo “real” cada vez más denso, pesado y poco atractivo; un mundo que, de hecho, decidió dejar por propia mano en 1936.

Esa instintiva apelación al bárbaro dentro de Howard y, a través de él, dentro de todos nosotros, ha continuado a través del tiempo, y ya no sólo desde el texto impreso. Ilustradores, dibujantes de cómics y artistas de la talla de Frank Frazzetta, Boris Vallejo y Luis Royo han ofrecido sus pinceles para dar al concepto una imagen. Sin embargo, dicha imagen sólo se puso en movimiento hasta 1981.

Quizá antes de esa fecha no existiera una montaña muscular capaz de representar al bárbaro, y la industria cinematográfica hubo de esperar la aparición de Arnold Schwarznenegger para personificar (sin mucho esfuerzo) a un silencioso cimmerio. En cualquier caso, la película, dirigida por John Milius sobre un polémico guión del propio Milius con la cooperación de Oliver Stone y al asesoría del escritor L. Sprague de Camp, se constituye en uno de los mejores ejemplos de una buena adaptación cinematográfica – punto de discusión, polémica y diatriba dondequiera que se hable de ella.

BRUCE LEE

2008-04-08T01:06:00.011+02:00

“Yo no represento un estilo sino todos los estilos. Ustedes no saben lo que yo estoy a punto de hacer, pero yo tampoco lo sé. Mí movimiento es el resultado del vuestro y mí técnica es el resultado de vuestra técnica”. - Bruce Lee

BRUCE LEE Y SU PASO POR EL CINE

Una productora norteamericana le ofreció un papel en la serie televisiva "Kung Fu" pero al final se designó a David Carradine, siendo discriminado por su ascendencia china no bien vista en los foros americanos.

En 1971, estando de visita en Hong Kong, el productor Raymond Chow ofreció a Bruce la participación en uno de sus proyectos cinematográficos. El primer film que realizó en esta etapa en Hong Kong se llamó Big Boss (Karate a muerte en Bangkok o El Gran Jefe) y fue de inmediato un tremendo éxito en Hong Kong acopiando beneficios de millones de dólares. Bruce Lee se ganó el top de la popularidad china quien le consideraba un héroe nacional.

Inmediatamente participó en su segundo film de artes marciales llamado "Fist of Fury" ( Furia Oriental o Puños de Furia) donde se explotó la supuesta superioridad del Kung Fu sobre el Karate japonés como una forma de conjurar el sentimiento de inferioridad chino frente a los japoneses. El éxito logrado en este film superó toda expectativa y Bruce Lee se transformó en una consolidada estrella de films de artes marciales.

En 1972, fue actor, guionista, coproductor y director en el film " The Way of the Dragon" ( El furor del Dragón o el Camino del Dragón) filmado en Roma junto a Chuck Norris. El film fue otro éxito de taquilla dentro del circuito chino, ya que Bruce no quiso que saliera de él. Esta película es considerada un clásico de las artes marciales y la lucha en el Coliseo es una de las más memorables de la filmografía de Bruce Lee, es conocida como el combate del siglo. Como dato curioso en el tema central de la banda sonora, él se encargó de tocar la percusión.

Lee trabajó en una película que quedaría inconclusa. Sólo están rodados 30 minutos, llamada " Game of Death" ( Juego de la Muerte ) junto a sus amigos y discipulos Dan Inosanto y Kareem Abdul-Jabbar. Más tarde ésta sería su última película. Eso ocurrió así debido a su muerte y el largometraje fue terminado más tarde por la Golden Harvest, haciendo uso de dobles y montajes y, añadiendo 11 minutos del rodaje inicial.

Sin embargo, una nueva oferta, co-participativa entre una productora americana y china para desarrollar la película "Enter the Dragon" (Operación Dragon) le fue ofrecida a Lee, quien aceptó con entusiasmo como codirector de las escenas de lucha y actor principal. En esta película Bruce Lee se granjeó una fama póstuma entre el público estadounidense y es considerada la obra cumbre de Lee. Fue finalizada en abril de 1973, 4 meses antes de su muerte. La película fue exhibida un par de meses después con un éxito de taquilla abrumador.

El 20 de julio de 1973, Lee en la cumbre del éxito, muere en misteriosas circunstancias a los 32 años en un apartamento en Hong Kong.

MIRIODOR

2008-04-07T02:38:00.007+02:00

Hablar de Miriodor nos remonta a los días inaugurales de la escena experimental de Montréal, a principios de la década de los 80. Influenciada por las prácticas iconoclastas de agrupaciones enroladas en el proyecto Rock In Opposition (en especial, Univers Zéro y Samla Mammas Manna), la banda perfeccionó una muy personal síntesis estilística, donde se destacan componentes de la música de cámara, los folklores centroeuropeos y las marchas circenses. Hay en Miriodor una asimilación natural de estos elementos, que confiere a su música una riquísima intertextualidad.

El producto de esta calculada –pero no por ello menos espontánea- alquimia es una música pletórica de contrastes y tensiones, rigurosamente escrita y ejecutada con una instrumentación típica de rock, a la que, por lo general, se suman vientos y cuerdas acústicas en ajustada interacción camarística.

Sobresalen los cambios frecuentes y súbitos de una precisión pasmosa -y que no afectan un ápice la fluidez!-, las melodías angulares –excéntricas, encantadoras, siempre inspiradas- y los ritmos aditivos y acentuaciones inesperadas, recursos todos orientados a la creación de una música de espíritu travieso, que no deja de pendular entre la risa ingenua y la mueca siniestra.

DISCOGRAFIA

Rencontres - 1984 (self-published LP), 1986 (CD re-issue, Cuneiform Records)
Miriodor - 1988
Third Warning - 1991
Elastic Juggling - 1996
Mekano - 2001
Parade + Live at NEARfest - 2005

FENIX (LOS ALBORES DE LA HISTORIA)

2008-04-05T20:30:00.013+02:00

El manga comienza a ser publicado en 1954 en el magazine nipón, Manga Shonen, donde sólo hubo de durar un año, pués el cierre de la revista y el lógico cese de producción dio al traste con el trabajo de Osamu Tezuka.

Fénix no volvería a aparecer hasta doce años después, en 1967, momento en que apoyándose en el marco de la revista COM, magazine que pertenecía a su propia empresa, Tezuka retoma la figura mitológica del Fénix y lo integra en un nuevo comienzo: Los albores de la historia, que la editorial Planeta nos trae por primera vez en español.

“Quien beba de la sangre del Fénix poseerá el don de la inmortalidad”. En esta oración queda resumido el argumento de Fénix un manga que nos narra la búsqueda a través de los tiempos de una criatura mitológica, el Ave Fénix, el cual está presente en varias de las culturas que pueblan la faz del planeta.

En principio la idea de Tezuka era dar un largo viaje a través de la historia de la humanidad mostrando como tema central la búsqueda de la inmortalidad y los profundos claro-oscuros del alma humana, enseñándonos como el propósito más puro puede ensuciarse cuando entre sus argumentos se esconde la avaricia.

De esta forma el primer volumen nos situaba en un arcaico Japón en el que el hombre comienza a dar sus primeros pasos; el segundo nos transportaba al más lejano futuro en el que la humanidad ha ido degenerando poco a poco y su único destino posible es la extinción; el tercero y el cuarto nos mostraba un pasado y un futuro algo más recientes, y así se iban dando pasos a lo largo de la historia (nipona casi siempre) aproximándose cada vez más a nuestra época actual, donde en principio debía estar sito el último volumen de la obra.

Desgraciadamente, la muerte nos arrebató a este gran hombre antes de que pudiera terminar lo que muchos han dado en llamar “la obra de su vida”. En 1988, un año antes del fallecimiento del Padre del manga, éste acabaría el volumen número 12, el último que vería la luz.

ROBERT WILLIAMS

2008-04-05T03:47:00.008+02:00

Un estudiante de pintura primero en Los Angeles City College y más tarde en el Instituto de Arte Chouinard, Robert Williams, obtuvo su primer descanso cuando se convirtió en el director de arte para la varilla caliente héroe legendario Ed "Big Daddy" Roth. Con el surgimiento de la contracultura a fines del decenio de 1960.

Williams encontró un público creciente en el entorno subterráneo de historietas que nutre estas cifras como Robert Crumb, Victor Moscoso y S. Clay Wilson.Uno de los iniciadores de Zap Comix.

Williams continúa la tradición de no-tiene prohibido exploración creativa. En 1994, Williams fundó la revista Juxtapoz con un grupo de artistas y coleccionistas. La publicación de la declaración de la misión fue presentar el arte que es provocativo, técnicamente hábil y digno de la exposición.

Williams ha producido una serie de publicaciones como malintencionado Resplendence, Zombie Misterio Pintura, Visual Adicción y opiniones de una Tortured Libido.

Quizás su obra más famosa, el apetito de destrucción, que representa la vinculación de los niveles de persona a la violación y la brutalidad robot, fue destacado como la cobertura de los Guns N 'Roses en el álbum del mismo nombre.

ALAMAAILMAN VASARAT

2008-04-02T01:08:00.015+02:00

Alamaailman Vasarat ( "Los Martillos del Underworld") es un fenómeno inusual, no sólo en su país de origen, Finlandia, en todo el mundo en general. Los oyentes no han podido clasificar esta singular música instrumental; posiblemente le extraña ver algunas citas como "étnico latón punk" al leer comentarios o navegar por la web sobre el tema.

"Los Martillos" consideran a sí mismos que sus raíces musicales provienen de algún lugar en un continente llamado Vasaraasia de ficción ( "Hammer-Asia"), que es también el título de su muy alabado álbum debut de septiembre de 2000.

Alamaailman Vasarat fue fundada en 1997 por el bajista y baterista Jarno Sarkula Teemu Hänninen. Jarno compró un saxo soprano - una razón suficiente para iniciar una nueva banda! Después de unos meses de experimentar el line-up la banda está lista para acción en vivo, pero nunca ha dejado de evolucionar. Nuevos instrumentos ampliar la banda musical del vocabulario álbum por álbum.

Split entre seis miembros, la banda del armamento consta actualmente de alta y baja saxos y clarinetes, trombón, tuba, dos cellos con multieffects, una bomba de órganos y otras claves, y los tambores y la percusión. A pesar de esta extraña configuración, la banda ha demostrado que la madera vieja y el latón son realmente geniales!

En 2000, el álbum debut "Vasaraasia" entró en la World Music Chart Europe Top-20 en la séptima posición. En 2003 la banda lanzó su segundo álbum "Käärmelautakunta", en esta ocasión retrata la madurez de la banda con el sonido refinado y muy evolucionado, en varias composiciones.

En 2005 grabó un Alamaailman Vasarat colaboración álbum "Kinaporin Kalifaatti" con el famoso cantante finlandés Tuomari Nurmio. El álbum recibió críticas elogiosas en la prensa y posteriormente fue premiada con una gran demanda-después de TEOSTO - premio de la finlandesa Compositores de la Sociedad de Derecho de Autor.

El cuarto álbum Alamaailman Vasarat "Maahan" fue lanzado en Marzo de 2007 simultaneamente en Europa y Japón. Volviendo a la forma instrumental, la banda una vez más demuestra su capacidad única de combinar gran variedad de estilos en puro y característico sonido Alamaailman Vasarat. El álbum fue elogiada en todo el mundo y es ampliamente considerado mejor hasta la fecha.

Alamaailman Vasarat también han realizado un film de música, la más reciente de una película de animación Elukka ( "The Animal") por Tatu Pohjavirta (concedido a la mejor puntuación de la música en francés festival de cine Premiers Plans de 2006).
La banda de música se ha utilizado también en numerosas obras de teatro durante el año. El nuevo álbum se espera para la primavera de 2009. Tambien hay un DVD en vivo en proceso.

VAMPIROS EN LA HABANA

2008-03-31T02:31:00.008+02:00

En 1980 Padrón decide incorporar el humor negro al animado (algo que había hecho ya en historietas) y comienza una serie conocida como Filminutos: vampiros, duendes, verdugos y toda suerte de personajes enrolados en absurdas y risibles situaciones, siempre de final hilarante e inesperado

El éxito de Padrón permite que se realice esta coprodución en la que se mezcla armónicamente absurdo y realidad, cine de horror, suspense, y de gángsters, comedia musical y de enredos.

La primera parte del film relata el enfrentamiento de dos bandas internacionales de vampiros, de Chicago a Düsseldorf via La Habana, por el control de la fórmula del "Vampisol", un elexir que permite a los magnates de la cofradía de los vampiros, broncearse impunemente en bellas playas soleadas. La segunda historia nos cuenta la lucha de un grupo de revolucionarios contra el dictador Machado, durante los años treinta, en la Habana.

El punto en común de los dos animaciones es el heroe: José Amadeus von Drácula. Pepito para los amigos.

Se rumorea que Juan Padrón esta actualmente trabajando en una especie de remake de Vampiros en La Habana.

KOJI YAMAMURA

2008-03-31T00:59:00.008+02:00

Nacido en 1964, el maestro Yamamura, inicia su carrera creando pequeñas animaciones cuando aún estaba cursando la secundaria, en ese entonces con apenas 13 años. Desde el inicio su trabajo llamaba la atención; su particular visión que se separaba dramáticamente del concepto que reinaba en el Japón con respecto al anime y las artes visuales.

Sus trabajos combinan la escultura en barro con figuras tridimensionales, fotografía, crayola y multimedia, mezclando técnicas y tendencias como el puntillismo y minimalismo, llevándonos a través de un mundo único donde la experimentación da como resultado nuevas tendencias visualmente impactantes y ricas en contenido. El surrealismo que impera en su trabajo y su tremenda sujeción a la estética pura, se traduce en un placer para los sentidos, donde el anime sé reinventa, transformándose a sí mismo.

Al igual que Tabaimo el maestro utiliza como excusa la critica a la sociedad contemporánea, satirizándola brillantemente por medio del uso de iconos de la cultura japonesa, y la actitud despreocupada de la sociedad hacia la tradición. La película animada Mthead, siendo su más conocido, la logrado recibir el reconocimiento de la critica internacional, gracias al peculiar sentido del humor utilizado por Yamamura, algunas veces algo insólito para el público occidental.

MT. HEAD

Animado, dirigido y editado por Koji Yamamura, narra la trágica historia de un tacaño quien prefiriendo tragarse un puñado de semillas de cereza antes de perder alguna, observa impasible como le crece un arbolito de cerezo en la cabeza. Este corto, contado a manera del teatro tradicional japonés, fue nominado en la 75th entrega de los premios Oscar del año 2003 bajo la categoría de mejor corto de animación. Fue el ganador del Gran Premio del festival de Annecy 2004 y también recibió un Premio Especial del Jurado del Festival de Animación de Holanda.

HAYAO MIYAZAKI

2008-03-30T15:04:00.011+02:00

Hayao Miyazaki es un mangaka y productor de dibujos animados (anime) japonés, nacido en Tokio el 5 de enero de 1941. Director de populares filmes de animación como El viaje de Chihiro, La princesa Mononoke y El castillo ambulante.

La mayor parte de su obra ha estado enfocada a los niños, al punto de ser llamado el "Disney japonés". Su obra trata temas de contenido, con mensajes antibélicos, o abordando temas complejos como el hombre y la naturaleza, el individualismo o la responsabilidad, lo que le ha valido el reconocimiento público de Occidente y de los especialistas.

El viaje de Chihiro recibe el Oso de Oro de la Berlinale 2002, el Oscar a la mejor cinta animada en 2002 y el reconocimiento a su trayectoria en el Festival Internacional de Cine de Venecia.

Howl´s Moving Castle (o el Castillo Ambulante) postuló al Oscar 2005 como mejor película animada.

Miyazaki fue ganando más responsabilidades en sus primeros años de trabajo, lo que lo lleva a colaborar con Isao Takahata en los anime Heidi y Marco para el estudio Zuiyô Enterprise, que más tarde se convertiría en Nippon Animation, en los 70s. También participa en la obra Ana de Las Tejas Verdes. En 1978 dirige su primera serie Conan el niño del futuro y en 1979 su primera película El castillo de Cagliostro.

FILMOGRAFIA
-Conan, el niño del futuro (1978)
-El castillo de Cagliostro (1979)
-Nausicaa del Valle del viento (1984)
-Laputa: El castillo en el cielo (1986)
-Mi vecino Totoro (1988)
-Nicky, la aprendiz de bruja (1989)
-Porco Rosso (1992)
-La princesa Mononoke (1997)
-El viaje de Chihiro (2001)
-El castillo ambulante (2004)
-Gake no ue no Ponyo (2008)(esta pelicula se encuentra en estado de filmacion)

FOCUS

2008-03-30T11:49:00.018+02:00

Esta maravilla de conjunto holandés surgió del proyecto del clásicamente entrenado Thijs Van Leer, quien consiguió al mando de su conjunto, captar el interés de Jan Akkerman, guitarrista y laudista vistuoso, considerado durante un corto periodo de tiempo como mejor guitarrista del mundo. Van Leer y Akkerman no tardaron en conectar. Más tarde, el guitarrista declaró estar completamente enganchado a esta banda. Focus arranca en 1970 con 'In and Out of Focus'. En su primera etapa, Focus era una banda de rockandroll progresivo con elementos neo-clásicos y jazzeros.

El binomio Van Leer/Akkerman no tardó en dar un ambicioso giro a su música, concentrándose ahora en la elaboración de composiciones llenas de pasajes sinfónicos guiados por las hermosas cadencias y juegos tonales de los teclados de Thijs, eludiendo sus clásicos temas vocales, pero manteniendo su idea original con cortes que nos siguen recordando la ineludible vena rockera de Akkerman, y su vertiginosa capacidad de improvisación con acentuaciones jazzeras.
Este nuevo concepto musical marcó la escena holandesa, sirviendo de inspiración a bandas como Finch, de cuyo guitarrista, el propio Akkerman declaró sentirse gratamente sorprendido. En esta etapa, Akkerman edita un buen material en solitario y participa en reuniones como un efímero proyecto con Paco de Lucía.

Tras su trabajo más ambicioso, el sobresaliente 'Hamburguer Concerto', y algunos problemas internos que empiezan a surgir, Focus lanza el Mother Focus, un álbum en el que encontramos una serie de piezas cortas que hacen una vaga exploración por otros estilos. En él sigue patente el toque característico de humor ya demostrado en algunos títulos o en breves apariciones de la voz de Van Leer, pero carece de interés para sus habituales oyentes. Tras diversas disputas entre Akkerman y VanLeer, el primero abandona, considerando que la banda ha pasado a convertirse en un simple pasatiempo para Van Leer. Aun así, el teclista sigue adelante con Focus junto a otros músicos durante algunos años.

En el año 85, vuelven a reunirse brevemente para la grabación de un disco emborronado por los samplers y la electrónica de los ochenta. El dúo no parece sentirse satisfecho con el resultado y vuelve a separarse.
En el nuevo milenio, Focus renace y se refresca con una nueva plantilla de jóvenes músicos al mando de Thijs Van Leer. Su sonido es mucho más pesado y su estilo rescata elementos de su música más sonada.

ALBUMES
In and Out of Focus (Enero 1971)
Moving Waves (Octubre 1971)
Focus III (Noviembre 1972)
Focus at the Rainbow (Octubre 1973)
Hamburger Concerto (Mayo 1974)
Mother Focus (Octubre 1975)
Ship of Memories (Septiembre 1977)
Focus con Proby (Enero 1978)
Focus (Agosto 1985)
Focus 8 (Enero 2002)
Live at the BBC 1976 (Mayo 2004)
Focus 9 / New Skin (Septiembre 2006)

ANIMUSIC

2008-03-29T03:15:00.004+01:00

Animusic es una compañía fundada por Wayne Lytle y Dave Crognale, dedicada a la producción de animaciones musicales por ordenador. El concepto consiste en realizar una creación musical que ilustran mediante una animación en 3D. En sencillas palabras: instrumentos virtuales creados con bastante imaginación recrean los sonidos creados por sintetizador, intentando que estos instrumentos imaginarios sean evocadores de instrumentos existentes. La animación está realizada con el programa propietario MIDImotion, que utiliza una técnica analítica, basada en los sonidos en tiempo real.

Actualmente (2008) se han lanzado 2 colecciones de video.
Animusic: Un álbum de vídeo de animaciones a computadora.
Animusic 2: Un nuevo álbum de vídeo de animaciones a computadora.
Animusic fue re-lanzado en el 2004 en una edición especial en DVD.
Animusic 2 fue lanzado en el 2005. El sitio web de Animusic ha anunciado que la compañía está haciendo Animusic 3, pero no se ha dado ninguna fecha del lanzamiento.

JAMIE HEWLETT

2008-03-28T03:23:00.008+01:00

Jamie Hewlett es un artista de tiras cómicas y diseñador británico. Es mas conocido por ser el cocreador de la historieta Tank Girl y cocreador de la banda Gorillaz.

Mientras estudiaba en la Northbrook College en Worthing al oeste de Sussex, Inglaterra; Hewlett, Alan Martin y un compañero estudiante llamado Philip Bond crearon un fanzine llamada Atomtan. Esto atrajo la atención de Brett Ewins. Después de dejar la universidad Hewlett y Martin fueron invitados por Ewins a crear un nuevo material para una nueva revista que él estaba creando junto a Steve Dillon en 1988. La revista se llamó Deadline y creaba una mezcla de tiras comicas producidas por creadores británicos y artículos basados en música y cultura.

Martin y Hewlett crearon Tank Girl, una tira cómica anarquista sobre una chica punk que manejaba un tanque y tenía a una canguro mutante como novio.

La tira fue un éxito instantáneamente y rápidamente se convirtió en la parte más comentada de Deadline. El raro estilo de Hewlett se tornó popular y empezó a trabajar con bandas como Senseless Things y Cud y proveía portadas para los discos de éstas.

Tank Girl fue considerada en ser convertida en un filme por MGM después de considerar por muchos otros a Steven Spielberg.

Hewlett se muda a un apartamento junto a Damon Albarn de la banda Blur, después de terminar este con su novia Jane Olliver (miembro original de Elástica) y fue mientras compartían el apartamento concibieron la idea de crear Gorillaz, la primera banda virtual. Albarn trabajaría en la música, mientras Hewlett trabajaría en el diseño de los personajes, y ambos tuvieron ideas para los miembros de la banda.

El primer sencillo de la banda fue lanzado en el 2000 seguido por el primer álbum de la misma en 2001. En 2005, su segundo álbum de estudio, Demon days, fue lanzado. Y también más recientemente, en el 2007 Gorillaz sacó su nuevo disco titulado como "D-sides". Todos sus álbumes fueron sucesos populares.

Gorillaz se mantiene como el proyecto de un futuro próximo para Hewlett. Cuando se le pregunto si volvería a las tiras comicas con Jonathan Ross en una edición del show de Chat de Ross el 25 de noviembre de 2005, Hewlett dijo que no, pero si dijo que tenía varias ideas que tal vez haría realidad algún día.

En enero de 2006, el trabajo de Hewlett en Gorillaz fue nominado por el Museo del Diseño para el premio de ‘Diseñador del Año’. En una entrevista con la revista ‘Icon’ Hewlett confeso que está tratando de revivir la idea de una película de Gorillaz. En Mayo de 2006, Jamie Hewlett fue nombrado ‘Diseñador del año 2006’.

IMAGINADORES

2008-03-25T12:31:00.008+01:00

El largometraje documental Imaginadores, propone un recorrido por el universo de la historieta argentina desde una visión propia del lenguaje del cómic.
Imaginadores no sólo aborda el género documental en sí mismo sino que también apuesta a la animación tradicional otorgándole voz y movimiento a personajes clásicos de la historieta argentina que hasta ahora han permanecido estáticos.

Se cuenta con la colaboración del Director de Animación Julio Nicolás Azamor, quien a modo de homenaje se encargará de respetar la esencia de personajes como “El Loco Chavez”, “Cazador”, “Boggie”, “Clara de Noche”, “Sonoman”, “El Negro Blanco”, “Cybersix”, “Las puertitas del Señor Lopez” y muchos otros tan queridos por todos nosotros.

Por todo esto, Imaginadores busca narrar a través de sus mismos protagonistas, las vicisitudes, anécdotas, reliquias y experiencias de los mejores dibujantes de la Argentina, para trasmitirle al espectador esa pasión olvidada por las viñetas que hicieron a muchos argentinos imaginarse un universo distinto cada vez que leían una historieta.

Declarada de Interés Cultural por el Instituto Nacional de Cinematografía de la Argentina (INCAA)

MAUS

2008-03-25T02:01:00.008+01:00

MAUS

Maus es la historia de un superviviente de Auschwitz, Vladek Spiegelman narrada a su hijo Art, el autor del libro. Pero además, en Maus el autor también realiza un retrato de su padre en la actualidad (en el momento en que se entrevista con él para que le relate sus recuerdos de la guerra) así como de su difícil y tensa relación con él.

En Maus, Spiegelman va más allá del Holocausto para instalarse en la psicología del superviviente en un intento de deshacer la maraña de su relación paterno-filial, de la sombra de una madre suicida y del fantasma de un hermano santificado al que nunca conoció. Hay que mencionar que en Maus los personajes se nos muestran con rasgos faciales de animales, característica que se usa con fines narrativos; así, por ejemplo, los judíos son presentados ratones, mientras que los nazis como gatos.

Escrita y dibujada por Art Spiegelman, Maus está considerado unánimemente por la crítica como uno de los mejores cómics de la historia. Además, se trata de uno de los escasos cómics que no sólo trascendido al gran público sino que lo hizo con un reconocimiento notable: recibió uno de los prestigiosos Premios Pulitzer en 1992, una beca de la Fundación Guggenheim y dió lugar a una exposición en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

GATOS NEGROS, GATOS POSITIVOS

2008-03-23T18:48:00.011+01:00

Los gatos negros siempre han sido un signo de mala suerte para aquellos más supersticiosos, en cambio, para los científicos este animal posee un valor muy positivo: los genes que determinan su color, pueden ayudar a luchar contra las enfermedades.
En teoría, los animales de color inusual corren más riesgo de extinguirse a menos que el gen que le otorga su color le brinde también algún tipo de ventaja para su supervivencia, como es el caso de los gatos negros y las panteras negras. Los investigadores creen que el gen que determina su color les protege contra las infecciones.

Los seres humanos tenemos un gen similar, y este descubrimiento puede ayudarnos a generar resistencia contra las enfermedades.

El gen que produce el pelo negro en las panteras se llama MC1R. Si la versión humana de este gen muta, provoca, en algunas personas, cabello pelirrojo.

La función primaria de este gen es regular lo que puede pasar a través de la membrana de la célula. Por lo tanto, un receptor transmembránico mutado, puede en teoría ser más útil para prevenir que ciertos virus o bacterias entren en la célula.

En Egipto el gato estaba considerado como la reencarnación de los dioses en el trance de comunicarse ocn los hombres y manifestarles su voluntad. Los gatos también eran momificados y todo aquel que se atrevía a matar un gato era acreedor de la pena de muerte.

En el siglo XII la Iglesia comenzó una persecución a los gatos, a los que consideraba símbolo del diablo y cuerpo metamórfico de las brujas. Se alentó de tal forma esta persecuón que llegó a convertirse en espectáculo la quema de estos animales en las hogueras la noche de San Juan.

Se reivindicó la existencia de los gatos a partir del XVII debido a su habilidad para la caza de ratas, causantes de temibles y desoladoras plagas. Durante el siglo siguiente recuperó su prestigio y por su belleza sirvió como modelo para múltiples cuadros y esculturas..

La dualidad del gato como símbolo de la divinidad y de la representación demoníaca dio lugar a que en las supersticiones relacionadas con él se le considere representante de la mala o la buena suerte, según las circunstancias o lugar en que naciesen.

El gato negro puede traer buena o mala suerte dependiendo del lugar y la circunstancia de su encuentro: unos dicen que el gato negro es portador de mala suerte, mientras que otras creen que la mala suerte la trae el rojo.

Se dice que el vaticinio es nefasto si se cruza en el camino de una persona de derecha a izquierda. También que pierde este carácter de maldad si tiene un lunar blanco en alguna parte del cuerpo.

En Europa y Norteamérica se considera que un gato negro trae buena suerte si camina hacia ti, pero si se aleja se lleva la suerte consigo. Lo mismo sucede si el gato se cruza de izquierda a derecha o de derecha a izquierda, considerado de mal agüero.

Desde tiempos lejanos las madres deben tener los gatos alejados siempre de los bebés porque "sorben el aliento" del niño como los vampiros. Si observamos a los gatos cuando los tenemos en el regazo tienden a acercarse a la boca y husmear. No es difícil imaginar que, dado el miedo a las fuerzas tenebrosas, este gesto parecería un intento de sorber que podría poner en peligro a un niño, pues el gato le sorbería la vida.

MARK RYDEN

2008-03-23T11:31:00.011+01:00

Mark Ryden nació en 1963 en California, su arte está lleno de simbolismos de la cultura pop. Muestra lo tierno y lo estridentemente grotesco.

Ante la pregunta: “¿Pintas?”, Mark responde que no es él quien usa el pincel, sino un mono mágico que le visita por la noche…

Mark Ryden consigue entrar en la mente de un niño y describir lo que ve: un mundo perdido, sin una jerarquía lógica, donde las ideas y los objetos son tratados por igual. Tal informalidad explica totalmente la accesibilidad de su obra. Mark puede controlar lo indomable en un contexto convencional y delimitado, creador de obras disparatadas, revisitando la historia del arte, explora una nueva tendencia que podríamos calificar de surrealismo moderno.

Hoy en día los cuadros de Mark Ryden alcanzan ya los seiscientos mil dólares. De pequeños y grandes formatos, Ryden muestra en ellos su prolijo manejo de óleo sobre tela o del lápiz sobre el papel, con dibujos que mezclan inocencia y perversión al mismo tiempo.

La colección más tétrica y angustiante de Ryden y que de paso le ganó un sitial de honor en el mundo de los góticos, fue “Blood: Pinturas en Miniatura sobre Desolación y Miedo”, una serie de pequeños retratos de niñas que lloraban sangre y guaguas hambrientas ante un plato de sangre y un largo y tremendo etcétera. Aquella colección fue quizás la más íntima de Ryden, la hizo el año en que su esposa le pidió el divorcio y tuvo que dejar de vivir con sus hijos.

VINCENT

2008-03-23T00:15:00.005+01:00

El cortometraje Vincent fue realizado por Tim Burton y Rick Heinrichs en 1982, y cuenta la historia de un niño de 7 años llamado Vincent Maloy, quien está obsesionado con el actor Vincent Price (éste último presta su voz de narrador) y todos sus papeles de cine, así como de Edgar Allan Poe.

Es el primer cortometraje dirigido por Tim Burton y utiliza la técnica de animación stop-motion (cuadro por cuadro) con muñecos de ojos grandes y lúgubres figuras de arcilla, con un excelente guión y música, muestra el lado que siempre le gustó a Tim Burton, la oscuridad, desesperación, miedo y figuras transroscadas.

Cuenta con la fotografía de Victor Abdalov y la música es de Kent Hilton.

Muestra el mundo de Vincent y cómo su obsesión transporta al espectador hacia una trama entre imaginación y realidad.

Vincent es tranquilo y obediente, y en sus fantasías sueña con ser su idolatrado Vincent Price, uno de los intérpretes de terror más admirados y respetados de la historia del séptimo arte.

Vincent está basado en un poema que Burton escribió al estilo de los cuentos del Dr Seuss ("How the Grinch stole Christmas", entre otros) mientras trabajaba para la factoría Disney. Burton no estaba a gusto en Disney durante esta época porque allí no le permitían desarrollar sus ídeas, pero consiguió unir al animador Rick Heinrichs, al animador de muñecos Steven Chiodo y al cámara Victor Abdalov durante dos meses para darle forma a la poesía.

El personaje del niño está basado en el propio Burton, quien desde pequeño admiraba a Vincent Price. El niño es descrito por la voz del narrador, que es el auténtico Vincent Price, utilizando rimas que rinden claro homenaje a Edgar Allan Poe.

Vincent Price recitó la poesía para el corto y más tarde mantuvo una amistad con el director Burton que se materializó en una colaboración para Eduardo Manostijeras (y un documental inacabado filmado por Burton titulado Conversations with Vincent. Price murió en 1993).

El cortometraje fue proyectado durante dos semanas en un cine de Los Ángeles junto con la película Tex y consiguió ganar varios premios. El cortometraje acabó en los archivos de la Disney dado que no sabían que hacer con él. Se trataba de un corto de 6 minutos en blanco y negro que no tenía más mercado que el formato de los festivales de animación. Más tarde se recuperó para proyectarlo con "Pesadilla antes de Navidad" e incorporarlo en el DVD de la misma.

RODRIGO Y GABRIELA

2008-03-22T14:55:00.007+01:00

Rodrigo (Sanchez) y Gabriela (Quintero) son dos dedos rápido, con sede en Dublín, los mexicanos con un único sonido creado en guitarras acústicas. Su música es difícil de definir, tanto transzonales mundo y rock, y con frecuencia impregnada de atemporal Hispano - influencias clásicas. El incendio en el que proviene de su larga vida de pasión por la música metal. La pasada primavera, "Rodrigo y Gabriela", golpearon a los Arctic Monkeys Y Johnny Cash al número uno en los gráficos de Irlanda.

Rodrigo es un hábil dedo de la mano-recogedor que puede pasar de la velocidad a la que asola el alma sensual, en el espacio de un traste, mientras que Gabriela emplea rápido, técnicas rítmicas. Su percusionista de la paliza de cadenas y la batería del instrumento del cuerpo inevitablemente suscita comparaciones con el flamenco - que se reconoce como una influencia, sino como un viraje casillero.

Influencia de la familia van desde la salsa a los registros de la tía Gabriela de Pink Floyd, Black Sabbath, Queen, Led Zeppelin y de vinilo, con Rodrigo también un planteamiento similar rock clásico linaje.

DISCOGRAFIA
* Foc
(2001)
Independently released
* re-Foc
(2003)
Rubyworks
* Live in Manchester and Dublin
(2004)
Rubyworks
* Rodrigo y Gabriela
(2006)
Rubyworks

BIENVENIDOS A BELLEVILLE

2008-03-22T02:04:00.010+01:00

BIENVENIDOS A BELLEVILLE (LES TRIPLETTES DE BELLEVILLE)

País: Francia / Canadá, 2003
Duración: 80 minutos
Director: Sylvain Chomet
Productores: Didier Brunner, Paul Cadieux
Guión: Sylvain Chomet
Música: Benoit Charest

Adoptado por su abuela Madame Souza, Champion es un niño pequeño y solitario. Dándose cuenta que el niño nunca es más feliz que cuando está sobre una bicicleta, Madame Souza le somete a un riguroso entrenamiento. Los años pasan y Champion se convierte en un claro merecedor de su nombre. Ahora está preparado para participar en la carrera ciclista más famosa del mundo, el Tour de Francia. Sin embargo, durante esta carrera dos misteriosos hombres vestidos de negro secuestran a Champion. Madame Souza y su perro fiel Bruno se proponen rescatarlo. Su búsqueda les lleva al otro lado del océano, a la enorme ciudad de Belleville, donde encuentran a las conocidas “Trillizas de Belleville”, tres estrellas del music–hall de los años 30 que deciden acoger a Madame Souza y a Bruno bajo sus faldas. Gracias al gran sentido del olfato de Bruno, la valiente pareja pronto está tras la pista de Champion. Pero, ¿tendrán éxito para combatir los diabólicos planes de la mafia francesa?

HIROSIMA (HADASHI NO GEN)

2008-03-21T20:16:00.020+01:00

HIROSIMA (HADASHI NO GEN)

Título: Hiroshima (Hadashi no Gen)
Autor: Keiji Nakazawa
Edita: MangaLine Ediciones
Formato: Tomo bolsillo (18x13 cm), 392 páginas b/n, con sobrecubiertas. Sentido de lectura oriental. Precio: 11 € cada tomo. La obra completa consta de un total de siete tomos; primer tomo publicado en noviembre de 2002.

Hiroshima (Hadashi no Gen -"Gen descalzo"- en el original) se comenzó a publicar incialmente en Japón en 1973 en las páginas de la revista semanal Shonen Jump, aunque a lo largo de los años la obra inició un periplo que haría que las nuevas entregas aparecieran en diversas revistas.
Una obra de indudable valor humano e histórico, Hiroshima ha tenido en Japón una repercusión tal que ha tenido diversas ediciones tanto en tapa dura como en tapa blanda (aunque la más común es un set de 7 tomos, como el que se utiliza para la edición española), y es habitual encontrarlo en las bibliotecas niponas. De hecho, como se apunta en la propia introducción de la edición española, en Japón es raro que los profesores olviden hacer mención de ella en los años de enseñanza obligatoria, y es utilizada por varias universidades en clases de historia o antropología, e incluso en ocasiones como una lectura obligatoria.

Pero la trascendencia de Hiroshima más allá de la fronteras niponas también fue importante, además de por el mensaje que encerraba, por el empeño del propio autor y una serie de colaboradores por "transmitir al mundo entero las penurias causadas por la bomba atómica".

Autobiográfico. El relato se inicia en Hiroshima en 1945, días antes del fatídico bombardeo atómico que acabará con la Segunda Guerra Mundial. Las primeras páginas describen la dureza de la vida en tiempos de guerra para los japoneses. Hambre, represión e histeria bélica nacionalista perpetuada por el gobierno militar están a la orden del día. A partir de la caída de la bomba, hecho narrado en la segunda mitad del primer volumen, el cómic se centrará en las espeluznantes y dramáticas consecuencias de aquella trágica acción de guerra.
El protagonista es Gen Nakaoka, personificación del autor, un niño de seis años, testigo involuntario de un episodio trascendental para entender la evolución de la Historia en la segunda mitad del siglo XX.

Pero el nudo de esta historieta está lejos de tan grandilocuentes palabras y mucho más cerca de la verdad, de las víctimas, de las personas de a pie, de los miles de afectados, de los olvidados que todo conflicto internacional arrastra, del drama del individuo. A pesar de todo ello el autor no se detiene ante el duro recuerdo sino que profundiza en las causas y lanza una dura crítica contra el Imperio Japonés y contra el régimen militarista que gobernó Japón durante los años de guerra con un significativo apoyo popular.

FRAGMENTO DE LA PELICULA DIRIGIDA POR MORI MASAKI EN 1983 BASADA EN EL COMIC

PRAXINOSCOPIO

2008-03-18T02:06:00.006+01:00

EMILE REYNAUD (1844-1918)

Emile Reynaud fue un inventor autodidacta frances que en 1877 al perfeccionar el zoótropo de Horner, creó el Praxinoscopio. Agregó un tambor de espejos que lograba eliminar las interrupciones de la visión que sucedían cuando las imágenes cambiaban de posición y se interrumpia el paso de la luz por las ranuras.

Reynaud fue el primero en conseguir la proyección de imágenes animadas en buenas condiciones y, la proyección de movimientos no cíclicos. Es considerado el padre de la animación.

Más tarde mejorando su Praxinoscopio creo el Teatro óptico que añadía la posibilidad de proyectar las imágenes sobre una pantalla de teatro. Cambió los dibujos individuales por secuencias de imágenes sobre cintas perforadas. Durante 10 años y antes de la aparición del cinematógrafo de los Lumière, Reynaud hizo representanción públicas sobre una pantalla en el museo Grévin de París. La primer cinta proyectada con su Teatro Óptico fue Le clown et ses chiens.

MONTY PYTHON

2008-03-17T13:08:00.007+01:00

MONTY PYTHON

Monty Python fue un grupo británico de humoristas que sintetizó en clave de humor la idiosincrasia británica de los años 60 y 70.

Lograron la fama gracias a su serie para la televisión inglesa Monty Python's Flying Circus (El Circo Volante de Monty Python), basada en sketches breves que en muchas ocasiones incluían una importante carga de crítica social, si bien en su mayoría se centraban en un sentido del humor absolutamente surrealista y basado en el absurdo. El primer episodio fue emitido el 5 de octubre de 1969 por la BBC y la serie siguió en antena hasta 1974.

Desde entonces ha sido reemitida en muchas ocasiones en diferentes países.

LARGOMETRAJES
El fenómeno de los Monty Python transcendió el mundo televisivo siendo sus protagonistas también responsables de la producción de varios largometrajes:

Se armó la gorda (And Now for Something Completely Different) (1971)
Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores (Monty Python and the Holy Grail) (1975)
La vida de Brian (Monty Python's Life of Brian) (1979)
Monty Python en Hollywood (Monty Python Live at the Hollywood Bowl) (1982)
El sentido de la vida (Monty Python's The Meaning of Life) (1983)

INTEGRANTES DEL GRUPO
Eric Idle
Michael Palin
John Cleese
Terry Gilliam
Terry Jones
Graham Chapman

POR FAVOR, ACARICIEME LAS NALGAS

ESKATON

2008-03-17T04:12:00.006+01:00

ESKATON

Formado en 1970, la ESKATON KOMMANDKESTRA siguió la tradición Zeuhl encabezado por Christian Vander del MAGMA. En un avance hacia la accesibilidad que descartar la Kobaian letras, optando en su lugar por su nativo francés. En 1974 los miembros originales Xavier de Raymond (piano Fender), Gerard Konig (batería), Marc Rosenberg (bass guitar), y Alain Blesing (guitarra) se sumaron Paule Kleynnaert (voz), Amara Tahir (voz), Guillaume Eris (teclados ), Y Andre Bernardi (guitarra) convirtiendo simplemente ESKATON.

1979 vio el lanzamiento de su primer sencillo "Musique Atomique Post", y la grabación de su primer álbum "4 Visiones" (que se mantendría hasta 1981 inédito). Cambios de personal (Alain Bendición, Eric Guillaume y Xavier de Raymond, Gilles Rozemberg y MALICORNE el violinista Patrick Lemercier) dio lugar a canciones más corto, más estrictos arreglos y su próxima puesta en libertad, la década de 1980 "Ardeur". En 1983, después de la incorporación de sintetizadores en sus arreglos, y el abandono de sus más tradicionales Zeuhl sonido, ESKATON registró su última liberación "ficción". En 1984 Gilles Rozemberg salió del grupo, y el resto de los miembros registraron su último álbum "A mi me importa", que nunca fue publicada.

Ahora, 20 años después, ESKATON sigue siendo uno de los momentos más brillantes de Zeuhl, y su álbum "4 Visiones" (publicada en CD en 1995 a través de Suecia Ad Perpetuam Memoriam la etiqueta) es una obra maestra de todo el género.

ANNECY

2008-03-16T16:31:00.006+01:00

El Festival Internacional de Animación de la villa francesa de Annecy es el más antiguo del mundo en su género, y el más prestigioso de Europa. Comenzó a celebrarse en 1956, como una derivación del Festival de Cine de Cannes, para acoger y difundir las producciones de animación que se realizaban de manera independiente y con intereses artísticos o experimentales. Primeramente bienal, desde 1995 se celebra anualmente, teniendo lugar del 5 al 10 de junio.

HISTORIA TRAGICA CON FINAL FELIZ

THE TALE OF HOW

MINOTAUROMAQUIA

MEW (SONIDO SURREALISTA)

2008-03-16T15:21:00.006+01:00

MEW

Banda de rock misceláneo, considerado pop por otros, nacida en Copenhague, Dinamarca. Caracterizados por un sonido especialmente surrealista y canciones de tono abstracto, la agrupación ha recibido desde los últimos meses numerosos reconocimientos en su natal Dinamarca y recientemente en Londres, donde residen desde que iniciaron su contrato con Sony Music para lanzar su tercer álbum, Frengers (2003). Actualmente cuentan con cuatro materiales discográficos que ilustran su peculiar evolución a desde sus comienzos en 1996, a pesar de que ellos se consideran una banda desde antes de que cualquiera de ellos supiera tocar algún instrumento. Sus presentaciones en su actual Tour en el Reino Unido están llenas de sonido, color y la altísima voz de su vocalista Jonas Bjerre

DISCOGRAFIA

- A Triumph for Man (1997, re-released 2006)
- Half the World Is Watching Me (2000)
- Frengers (Not quite Friends not quite Strangers)(2003)
- And the Glass Handed Kites (2005)

TORSO, EL DESCUARTIZADOR DE CLEVELAND

2008-03-16T01:55:00.016+01:00

TORSO

Serie negra de ambientación histórica, basada en hechos reales. Cleveland, 1935. Eliot Ness, después de convertirse en una figura casi mítica tras su paso por Chicago (donde se enfrentó a Al Capone y trabajó con el grupo de personas que daría lugar a la leyenda de Los Intocables) ha sido contratado para depurar el departamento de policía de Cleveland, ahora sumido en la corrupción, y recupere la imagen de rectitud y eficacia que nunca debió perder. Al mismo tiempo, los detectives de policía Myrlo y Simon investigan el que luego será considerado como el primer asesino en serie de la historia de Estados Unidos: un maníaco que despedaza a sus víctimas y solamente deja el torso de los cadáveres, con cabeza, manos y pies amputados, lo que hace imposible identificarlas, al no disponer siquiera de huellas dactilares o registro dental que comparar. Pronto, los tres hombres, con la ayuda del médico forense del departamento de policía, se verán sumergidos en la caza del asesino.

Torso cosechó excelentes críticas en EEUU, donde ganó un premio Eisner en 1999 (los más importantes de EEUU), y ha sido nominado al International Horror Guild Award (categoría de Mejor Novela Gráfica), en los Premios Eagle británicos (categoría de Mejor obra en blanco y negro) y más recientemente, en el Salón del Cómic de Angouleme (el más importante de Francia y Europa, en la categoría de Mejor Guión).

El cómic está basado en hechos reales que forman parte de la "leyenda negra" de Cleveland, zona en la que el propio Bendis residía, lo que le facilitó la tarea de documentación. De hecho por aquella época Bendis trabajaba realizando una página semanal de cómic para el diario local Cleveland Plain Dealer, que ya existía en la época de los asesinatos que se narran en Torso, lo que le permitió acceder al abundante fondo documental del periódico.
Los derechos del cómic han sido adquiridos para realizar una película de Torso, aunque el proyecto todavía no se ha llevado a cabo.
Torso fue la obra la que abrió a Brian Michael Bendis las puertas del cómic "mainstream" USA, ya que el propio Todd McFarlane en persona (creador de Spawn y miembro fundador de Image Comics) leyó el cómic y le gustó tanto que le ofreció a Bendis encargarse de los guiones de la serie Sam & Twitch. Así, Bendis inició una carrera ascendente a la que luego seguirían cómics como Powers, Ultimate Spiderman, Daredevil o Alias, que le han consolidado como uno de los guionistas "estrella" del cómic USA en la actualidad.

Título: TORSO
Autores: Guión de Brian Michael Bendis y Marc Andreyko, dibujo de Bendis.
Editorial: Image Comics (EEUU, 1999). Planeta-DeAgostini Comics (España, 2003)
Formato: Tomo 280 pgs b/n. Obra completa. Precio: 12,00 €.

BRIAN MICHAEL BENDIS

Brian Michael Bendis es un escritor y dibujante de cómics estadounidense, nacido en Cleveland, Ohio, el 18 de agosto de 1967.

Bendis es uno de los más exitosos guionistas de la actualidad, principalmente por su trayectoria en Marvel, donde ha contribuido al desarrollo del universo Ultimate (con sus más de 100 números a cargo de Ultimate Spiderman, la reinvención definitiva de la primera familia Marvel en Ultimate Fantastic Four y su paso por Ultimate X-Men), a revitalizar a personajes como Luke Cage (Powerman), a crear otros como la esposa de éste (Jessica Jones), o de ocultos supergrupos como los Illuminatti, adeemás de convertir muchas de las series de la editorial en indiscutibles éxitos de ventas, como sus Nuevos Vengadores). Es una de las cabezas pensantes visibles de la editorial, encargado de, desde los acontecimientos de la Dinastía de M escrita por él, ayudar a dar una mayor cohesión al Universo 616, con una interrelación entre series que no se veía en Marvel desde hacía bastante tiempo.

OBRAS PROPIAS
Fire
Fortune and Glory
Goldfish
Jinx
Powers
Quivers
Torso
Spunky Todd...The Psychic Boy

EL PRIMER VIDEOJUEGO CASERO

2008-03-15T01:25:00.024+01:00

LA HISTORIA DE LOS VIDEOJUEGOS

Todo comenzó en otoño del año 1972 con el lanzamiento de la primera consola de videojuegos, la Magnavox Odyssey creada por Ralph Baer, pero hace falta remontarse unos pocos años más atrás en el tiempo para ver el verdadero comienzo de estos aparatos.

En el año 1968 Ralph Baer presentó un prototipo conocido como Brown Box a grandes compañías del sector de la electrónica como Zenith, Silvana, Motorota o RCA, pero todas rechazaron la propuesta por ser muy arriesgada. Sin embargo un ejecutivo de RCA pensaba de manera diferente y se unió a Ralph Baer y entre ambos consiguieron que la Odyssey viera la luz de la mano de la compañía Magnavox.

Magnavox era una compañía que fabricaba televisiones y otros aparatos tecnológicos. Por culpa de una mala campaña de marketing para promocionar la Odyssey, se extendió el rumor de que esta consola solo funcionaría en televisores de la misma marca, lo que hizo que mucha gente interesada no la comprara. Por este motivo las consolas que la sucedieron siempre llevaban escrito en la caja avisos de que el aparato funcionaba en cualquier televisor de cualquier marca, ya fuera en blanco y negro o en color.

La Magnavox Odyssey costaba unos 100$ y logró vender unas 300.000 unidades (100.000 en el primer año).

LOS JUEGOS MAS VENDIDOS DE LA HISTORIA

Pokémon: 155 millones de unidades.
Final Fantasy: 68 millones de unidades.
Madden NFL: 56 millones de unidades.
The Sims: 54 millones de unidades.
The Legend of Zelda: 52 millones de unidades.
Grand Theft Auto: 50 millones de unidades.
Donkey Kong: 48 millones de unidades.
Gran Turismo: 45 millones de unidades.
Sonic the Hedgehog: 44 millones de unidades.
Dragon Quest: 41 millones de unidades.
Crash Bandicoot: 36 millones de unidades.
James Bond: 30 millones de unidades.
Tomb Raider: 30 millones de unidades.

LA CONSOLA MAS VENDIDA DE LA HISTORIA
PlayStation 2 de Sony, aparecida en el año 2000 y tras ocho años en el mercado, aún sigue vendiéndose a un ritmo bastante interesante. 120 millones de consolas vendidas

ZINE EXPRESIONISTA ALEMAN

2008-03-14T00:31:00.013+01:00

CINE EXPRESIONISTA ALEMAN

Cine expresionista alemán es el nombre que se le da a un grupo de producciones cinematográficas con ciertos aspectos en común. Este estilo de hacer cine tiene su correspondencia con la corriente expresionista, llamada así por contraste con la corriente impresionista del siglo XIX en pintura, es decir, con aquél tipo de pintura en la que prima la “expresión subjetiva” sobre la representación de la objetividad. Esta pintura recurría a colores hirientes y ritmos lineales muy fuertes. Arraigó fundamentalmente en Alemania, de donde surgió el movimiento Die Brücke (el puente), fundado en 1905 por unos estudiantes de arquitectura.

EL GABINETE DEL DOCTOR CALIGARI

Al cine llega, de forma tardía, con “El gabinete del doctor Caligari”, película inspirada en una serie de crímenes sexuales que tuvieron lugar en Hamburgo, Alemania. Narraba los estremecedores crímenes que cometía Cesare, bajo las órdenes hipnóticas del doctor Caligari, que recorría las ferias de las ciudades alemanas exhibiendo a su sonámbulo. La idea de los guionistas era la de denunciar la actuación del Estado alemán durante la guerra.

Pero Robert Wiene, que será quien la dirija, añadirá dos nuevas escenas al guión, una al principio y otra al final, que cambiarán todo el sentido de la historia, pues se convierte en el relato imaginario de un loco que cree ver en el director del hospital psiquiátrico en el que se halla al terrible doctor Caligari. El principal atractivo de la película reside en su anormalidad escenográfica, con chimeneas oblicuas, reminiscencias cubistas y ventanas con forma de flecha, todo ello con una función meramente dramática y psicológica, y no como algo decorativo. Es cierto que el azar va a contribuir a realzar ese dramatismo, ya que, debido a la limitación de la iluminación en el estudio donde se rodó, se decidió pintar los decorados con luces y sombras.

Título original: Das Kabinett des Doktor Caligari
Año: 1920
Compañía: Decla-Bioskop
Director: Robert Wiene
Guión: Carl Mayer y Hans Janowitz
Reparto:
Werner Krauss (Doctor Caligari)
Conrad Veidt (César)
Lil Dagover (Jane Olsen)
Friedrich Fehér (Francis)
Hans Heinrich von Twardowski (Alan)

Comentario:
El proyecto se encarga en un principio a Fritz Lang. No obstante, el éxito que el director había obtenido con el primer capítulo del serial cinematográfico las Arañas le lleva a filmar la segunda parte del film, quedando finalmente Robert Wiene como director. Este logra, con su oscura escenografía y la sobrecogedora puesta en escena, realizar uno de los largometrajes más representativos del expresionismo alemán de la época.

DAVID ELSEWHERE (DANZA EXPERIMENTAL)

2008-03-13T03:02:00.009+01:00

DAVID ELSEWHERE BERNAL

Si no lo conocíais, David Elsewhere protagonizó hace unos años un vídeo que se convirtió en un fenómeno de la red superando los 200 millones de visionados en Youtube. Aparecía en Kollaboration 2001 bailando con contorsiones imposibles dejando al público atónito. Tal fue su éxito que marcas como Heineken, Volkswagen, iPod, 7-Eleven y Pepsi lo contactaron para bailar para sus anuncios de TV.
Actualmente trabaja como diseñador web en Los Ángeles.

M.C. ESCHER

2008-03-11T12:31:00.001+01:00

A menudo me encuentro más cerca de los matemáticos que de mis colegas los artistas.
Todos mis trabajos son juegos. Juegos serios
M. C. ESCHER.

M. C. ESCHER
Maurits Cornelis Escher, más conocido como M. C. Escher (Leeuwarden Países Bajos, 17 de junio de 1898 - Baarn Holanda, 27 de marzo de 1972), artista holandés, conocido por sus grabados en madera, xilografías y litografías que tratan sobre figuras imposibles, teselaciones y mundos imaginarios.

Su obra experimenta con diversos métodos de representar (en dibujos de 2 ó 3 dimensiones) espacios paradójicos que desafían a los modos habituales de representación.

La obra de Maurits Cornelis Escher ha interesado a muchos matemáticos.

Obras destacadas Naturaleza muerta con Espejo Esférico (1934), Mano con esfera reflectante (1935), Día y noche (1938), Metamorphosis II (1939-1940 y 1967-1968), Reptiles (1943), Manos dibujando (1948), Relatividad (1953), Tres mundos (1955), Galería de grabados (1956), Belvedere (1958), Escalera arriba y escalera abajo (1960) y Cascada (1961).

TOMMY

2008-03-09T13:56:00.001+01:00

TOMMY (La pelicula)

Tommy es la adaptación cinematográfica de la ópera rock de The Who homónima, realizada por el director inglés Ken Russel en 1975.

Además de la banda integrada por Pete Townshend, Roger Daltrey (que interpreta a Tommy) y Keith Moon, participan en algunos números musicales Tina Turner (La Reina del ácido), Elton John (Pinball Wizard) y Eric Clapton (el predicador). También actúan Jack Nicholson, Ann Margret, Oliver Reed y Robert Powell.

Algunos momentos de la historia y su tratamiento estético, indican que pudo haber inspirado a Alan Parker y Pink Floyd para la realización de The Wall.

SIPNOSIS

Un niño queda ciego, sordo y mudo como consecuencia del trauma sufrido al contemplar el asesinato de su padre a manos del amante de su madre. Con el paso del tiempo se convierte en estrella mundial del pinball.

Tommy
Gran Bretaña, 1975
111 minutos
Mayores de 14
Género: Musical
Director: Ken Russell
Actores: Roger Daltrey Ann Margret
Oliver Reed Tina Turner
Jack Nicholson

AHORA HABER QUIEN ES EL REY DEL PIMBALL

Mr Men Pinball

Activate multiple targets for bonus points in Mr Bump Pinball!

Juega a este Juego Gratuito ahora!!

PERSEPOLIS

2008-03-09T04:53:00.001+01:00

PERSEPOLIS

Persepolis es la conmovedora historia de una chica irani desde la revolucion islamica hasta ahora. La historia comienza cuando los fundamentalistas toman el poder forzando a las mujeres a llevar velo y encarcelando a miles de personas. Sin embargo ella es muy astuta y descubre el punk, ABBA y a Iron Maiden mientras vive el terror de la persecucion del nuevo gobierno y la guerra de Iran e Irak. Como adolescente la envian a Europa donde por fin puede comparar otras culturas con el fundamentalismo religioso del que escapo.

S0BRE EL COMIC
Una obra de un indudable valor humano, Persépolis viene precedido de un considerable éxito de ventas para una obra de sus características (30.000 ejemplares vendidos en Francia en un año) y un puñado de premios entre los que destaca los del Salón del Comic de Angouleme (el más importante de Europa), donde el primer álbum ganó el Premio al Autor Revelación (Coup de coeur) el 2001 y el segundo el Premio al Mejor Guión en 2002. Fuera de Francia, en EEUU ha ganado el Premio Harvey a la Mejor Obra Extranjera 2004, y en España fue galardonada con el Primer Premio de la Paz Fernando Buesa Blanco. En Estados unidos también fue nominado en los Premios Eisner 2004 en las categorías de Mejor Novela Gráfica y Mejor Obra Extranjera y de nuevo en la edición de 2005 en la categoría de Mejor Obra Extranjera, mientras que en España también fue nominado en los Premios del Salón del Cómic de Barcelona en la categoría de Mejor Obra Extranjera de 2002.
En Francia los cuatro álbumes de Persépolis fueron publicados entre noviembre de 2000 y septiembre de 2003 por L'Association.

FAEMINO Y CANSADO

2008-03-09T02:56:00.001+01:00

FAEMINO Y CANSADO

Faemino y Cansado es un dúo español de humoristas que toma su nombre del apelativo artístico elegido por sus componentes, Carlos Faemino y Javier Cansado. Comenzaron su carrera en Madrid, España, con espectáculos callejeros, posteriormente en teatros y continuaron con apariciones en televisión, incluso con un programa propio, hasta la actualidad, en que siguen llenando teatros. Su humor, aunque suele etiquetarse como inclasificable, se puede considerar como absurdo, inteligente y surrealista.

EL HOMBRE OPACO VS EL HOMBRE P2

AL LORO CON EL MEDICO DE PULMON Y CORAZON

SECRET CHIEFS 3

2008-03-08T14:34:00.000+01:00

LA RIQUEZA DE ESTILOS, SONIDOS Y FIEBRE POR EXPLORAR NUEVOS CAMINOS ESTA CLARAMENTE MARCADA POR LA NECESIDAD URGENTE DE HACER MUSICA CON UNA MIRADA AMPLIA Y SIN PREJUICIOS.

A mediados de los 90´s, el productor Trey Spruance, el bajista Trevor Duna y el baterista Danny Heifetz deciden crear la banda Secret Chiefs Trio. De estilo avant garde y con un trasfondo esotérico, filosófico y teológico, este grupo puede hacerlo todo.

Primero un tema épico te hace entrar en un mundo antiguo y enigmático de películas, el siguiente tema simplemente te descomputa con sonidos aleatorios y síntesis pero luego se pone épico o dramático, sumamente oscuro y triste. Lo siguiente es una estructura tipo death metal con algunos momentos grind y gritos demoníacos. Puedes notar la calidad en el sonido y la seriedad con que toman todos los estilos, este grupo es de lo mejor en cuestión a composición, temática, calidad de sonido y variedad.

¿Qué es lo que caracteriza a este estilo? Precisamente la diversidad o el no tener un estilo musical definido. Esto es avant garde.

SECRET CHIEFS 3 DISCOGRAPHY

ALBUMS

First Grand Constitution and Bylaws (CD) 1996
Second Grand Constitution and Bylaws: Hurqalya (CD) 1998
Eyes of Flesh - Eyes of Flame (CD) 1999
Book M (CD) 2001
Secret Chiefs 3 - Book Of Horizons 2004 (CD) 2004

7"

Platypus/The Legendary Paper Project (Split 7") 1995
Zulfikar II / Zulfikar III (7") 1998
The Theatrum of Suprasensory Universes Vol. 1 (7") 1998

COMPILATIONS

The Christmas Album (CD) 1996
You Gan't Boar Like An Eabla When You Work With Turkrys (CD) 1996
Smiling Pets (CD) 1998
Ready for Transmission: Recovery V.2 (CD) 1999
The Little Domain That Could (CD) 2003
Mimicry Sampler 2004 (CD) 2004

+K CORTOS

2008-03-08T12:56:00.000+01:00

DISFRUTA DE ESTOS CORTOS CREADOS EN ANIMACION FLASH

ADOLF NI TSUGU (ADOLF)

2008-03-06T13:16:00.001+01:00

ADOLF-LA HISTORIA DE TRES VIDAS PARALELAMENTE OPUESTAS

Posiblemente es el cómic unánimemente más valorado y que mejor aceptación ha tenido en nuestro país de los que han publicado hasta la fecha en lo que a la bibliografía del autor se refiere. El legado de este genio visionario llamado Osamu Tezuka es muy extenso, por no decir interminable. Durante sus más de 35 años de carrera, se calculan unas 700 obras, más de 150.000 páginas y 60 películas. Por tanto, su bagaje y versatilidad quedan fuera de toda duda.

Entre finales de 1999 y hasta mediados del año 2000, Planeta DeAgostini Cómics publicó de forma íntegra el manga en 5 tomos (8 en la edición japonesa), con un volumen de 230 y 280 páginas cada uno y en sentido de lectura occidental.

La calidad de la edición podríamos calificarla como correcta, siendo benevolentes. Su mayor inconveniente es que al espejar las viñetas se altera el resultado final y se pierde parte de la fidelidad histórica de la obra. Arruina detalles tales como, que las condecoraciones y los brazaletes nazis (Deutscher Volkssturm Wehrmacht) pasan a figurar en el brazo derecho en lugar de en el izquierdo o que el característico saludo nazi aparece dibujado de forma opuesta a como ocurría en realidad, lo que supone una alteración de la obra que le hace un flaco favor.

Adolf ni Tsugu (Adolf) abarca desde la Alemania o el Japón desde 1936 hasta el Israel de 1983. Como se puede adivinar por su título, la práctica totalidad de la historia transcurre durante el periodo de dominio nazi. Encontramos pues, hechos históricos y personajes reales combinados con otros de propia cosecha del autor y que sirven para dar cuerpo a la trama. Podríamos decir que Tezuka-sensei cuenta un relato de perfil humanista a través de unos personajes ficticios, enmarcados en un contexto fidedigno.

Lo sucedido, lo recuerda y narra un superviviente de excepción llamado Sohei Togei. Pero los verdaderos protagonistas del relato son Adolf Kauffman (de padre alemán y madre japonesa) y Adolf Kamil (judío). En su infancia en Kobe (Japón) y a pesar del gran problema que suponía por aquella época sus diferentes ascendencias, estaban unidos por una fuerte amistad. Finalmente, conforme pasen los años y a la par que su situación se conmuta, el lazo que los une se tornará en odio. Ambos, comparten la peculiaridad de poseer el mismo nombre que el insigne dictador Adolf Hitler. Sin embargo, la presencia del Führer aunque fundamental, sirve como un simple pretexto para la crónica y no pasa de ser un mero espectador.

Todo comienza en el transcurso de las Olimpiadas de 1936 en Berlín, que tenían lugar durante el III Reich. Por aquel entonces, Sohei Toge era periodista, estaba cubriendo el evento que debía proclamar tal como deseaba el absolutista y tirano Adolf Hitler, la supremacía de la Alemania nazi, así como la hegemonía de la raza aria. Poco después de que Sohei Toge recibiera la llamada de Isao (su hermano pequeño) y éste le dijera que tenía algo muy importante que darle, halla su cuerpo apuñalado y tirado en un árbol debajo del apartamento que su hermano asesinado tenía en la ciudad. Sohei Toge investiga lo acontecido y descubre que se trataba de unos documentos oficiales que probaban la estirpe judía del Führer. Tras diferentes avatares y visicitudes consigue hacerse con los papeles, que de ver la luz, derrumbarían a Adolf Hitler y consigo al imperio nazi. Después, conoceremos como es la vida de los Kauffman y de los Kamil. Y como más tarde los dos Adolf descubrirán los citados documentos, que cambiarán el destino de sus vidas para siempre.

BANKSY (ARTE URBANO)

2008-03-06T11:56:00.000+01:00

Banksy

Banksy (nacido en 1974) es un popular artista de graffiti de Bristol, Reino Unido. Sus estarcidos con plantillas se han hecho populares al ser visibles en varias ciudades del mundo, especialmente en Londres.

Banksy oculta su identidad real a la prensa general. Muchos periódicos han apuntado a que su nombre podría ser Robert Banks o Robin Banks, pero este rumor podría haberse originado a partir de una broma por la similitud fonética entre el nombre "Robin Banks" y "robbing banks" ("robando bancos" en inglés). Generalmente se cree que es un varón blanco.

Banksy utiliza su arte urbano callejero para promover visiones distintas a las de los grandes medios de comunicación. Esta intención política detrás de su llamado "daño criminal" puede estar influida por los Ad Jammers (de un movimiento que deformaba imágenes de anuncios publicitarios para cambiar el mensaje). De todas formas, Banksy también trabaja cobrando para organizaciones benéficas como Greenpeace y para empresas como Puma y MTV, y vende cuadros hasta por 25.000 libras en circuitos comerciales o en la galería de su agente, Steve Lazarides. Un juego de obras de Banksy se vendió en la casa de subastas Sotheby's por 50.400 libras. Esto le ha llevado a ser acusado de vendido por otros artistas y activistas.

En 2004 el colectivo de anarquitectos Space Hijackers repartió octavillas frente a una exposición de Banksy para resaltar el irónico uso que el artista hace del imaginario anticapitalista y de protesta, mientras trabaja para grandes empresas y galerías de arte.

Aparte de su obra en la calle, Banksy es conocido por colgar sin autorización algunas de sus obras en museos. De este modo, ha expuesto su obra en la Galería Tate Modern de Londres; el MOMA (Museum of Modern Art), Museo Metropolitano de Arte, el Museo de Brooklyn, y el Museo Americano de Historia Natural de Nueva York, y el Museo Británico de Londres. En este último caso (en mayo de 2005), colgó una pintura rupestre de aspecto primitivo que mostraba una figura humana entre animales salvajes empujando un carro de supermercado.

En agosto de 2005, Banksy ha realizado murales sobre el Muro de Cisjordania construido por Israel en los territorios ocupados de Cisjordania (concretamente en Belén, Ramala y Abu Dis), combinando varias técnicas.

Banksy

EL QUIMERICO INQUILINO

2008-03-06T11:38:00.001+01:00

EL QUIMERICO INQUILINO (Le Locataire, 1976)

Ficha técnica
Director: Roman Polanski; Guión: Gérard Brach / Roman Polanski, basándose en la novela de Roland Topor; Fotografía: Sven Nykvist; Música: Philippe Sarde; Montaje: Françoise Bonnot; Casting: Catherine Vernoux; Decorados: Kathryn Holliday; Vestuario: Jacques Schmidt; Maquillaje: Didier Lavergne; Peluquería: Ludovic Paris; Efectos visuales: Jean Fouchet.
Cast: Roman Polanski (Trelkovsky), Isabelle Adjani (Stella), Melvyn Douglas (Monsieur Zy), Jo Van Fleet (Madame Dioz), Bernard Fresson (Scope), Lila Kedrova (Madame Gaderian), Claude Dauphin, Claude Piéplu (vecino)
Francia / USA, una producción Marianna Films / Marianne Productions S.A.; Productores: Hercules Bellville (productor ejecutivo) / Andrew Braunsberg / Alain Sarde (productor asociado)
125 minutos; Color; Idioma original: Francés;
Estrenada en Francia el 26 de mayo de 1976.

Sipnosis
Trelkovsky es un tímido y tranquilo polaco que alquila un apartamento en París cuya anterior inquilina había intentado suicidarse arrojándose por la ventana. Desde el primer momento mantiene roces con sus caseros y algunos de sus vecinos, pero la cosa empeorará hasta creerse objeto de una conspiración por parte de los mismos mientras que extraños acontecimientos tiene lugar en su apartamento, hasta hacerle cuestionarse su propia salud mental ¿De verdad sus vecinos se han aliado contra él, o Trelkovsky se está volviendo loco?

COMENTARIO

Es el tercer film de la llamada "trilogía de apartamentos" y algunos lo consideran como una mezcla entre Repulsión y El bebé de Rosemary. Muy apreciado por sus fans, muchos lo consideran el mejor de su filmografía, aunque en su estreno supuso un sonado fracaso.

THE MARS VOLTA

2008-03-06T03:31:00.000+01:00

The Mars Volta es un grupo de rock estadounidense de El Paso, Texas, fundado por Cedric Bixler-Zavala y Omar Rodríguez-López. Generalmente se les clasifica dentro del rock progresivo experimental. Son conocidos por sus conciertos en vivo, salvajes y enérgicos, altamente improvisados y la presencia de letras crípticas.

Nacida de las cenizas de la banda de hardcore At The Drive-In y del grupo de Dub Intrumental llamado De Facto , los integrantes iniciales de The Mars Volta fueron Omar Rodríguez-López (Guitarra), Cedric Bixler-Zavala (voz), Jeremy Ward (teclados y ambientes), Juan Alderete (bajista), Jon Theodore (batería) e Ikey Owens (teclados). Clasificarlos dentro de un género o estilo musical resulta tan difícil, que incluso ellos mismos no se preocupan por hacerlo, TMV (The Mars Volta) se transforman así en pioneros de una nueva estructura musical.

Comenzaron con el EP de 3 canciones 'Tremulant', de las las cuales se destaca Concertina.

THE BEDLAM IN GOLIATH

The Bedlam in Goliath es el cuarto y más reciente álbum de la banda de Rock Progresivo estadounidense The Mars Volta. Lanzado el 29 de Enero del 2008. "Wax Simulacra" lanzado el 19 de Noviembre del 2007 como el primer sencillo del album, fue puesto a la venta en conjunto con el cóver de Pulled to Bits, canción original de la banda británica Siouxsie & the Banshees.

Nuevamente producido por Omar Rodriguez-Lopez cuenta con la ayuda en el área técnica de Robert Carranza, además de haber reclutado nuevamente a John Frusciante para que participe con las guitarras del álbum y también a Jeff Jordan, quien contribuyó con la carátula para Amputechture. El video para el sencillo Wax Simulacra fue lanzado a finales del mes de Octubre de 2007.

DISCOGRAFIA

Videos musicales de The Mars Volta – Música en Last.fm

EMILY THE STRANGE

2008-03-06T01:14:00.000+01:00

¡Hazte extraño o piérdete!

Tiene la piel blanca, pelo moreno, el flequillo afilado, la ropa siempre negra, la acompañan 4 gatos y vive en un mundo en tres colores: blanco, rojo y negro. Dice que tiene 13 años, aunque en realidad tiene 12… y su frase preferida es "¡piérdete!", una mezcla entre mandarte a paseo e invitarte a descubrir lo desconocido. Es Emily, un revolucionario icono de reminiscencias punk-rock con el que miles de personas de todo el mundo se sienten identificadas. Por fin desembarca en España su inquietante colección de libros.

Emily no quiere formar parte, quiere estar aparte.

Es una de las muchas frases lapidarias que definen a Emily en su primer libro, que por fin aparece en nuestro país editado por Norma Editorial, aunque el personaje ya se pasea desde hace meses por las ciudades españolas estampado en camisetas, bolsos, carteras, muñequeras, chapas o pegatinas. En Estados Unidos va un poco más lejos, la puedes ver en una tabla de skateboard, o incluso decorando una guitarra eléctrica que Gibson vende por 500 dólares; y si te acercas a Tokio, hasta puedes entrar en su propia tienda temática. Pero si como a ella no te gusta moverte demasiado, puedes unirte a la legión de seguidores que cada día entran en su inquietante portal de Internet, más que un vehículo promocional, toda una declaración de intenciones: www.emilystrange.com

Emily no hace trampas, sigue sus propias reglas.

Junto a grupos de rock como The White Stripes, es la culpable de que miles de "Emilys" se crucen diariamente con nosotros: medias a rayas blancas y negras, camisetas oscuras con frases reivindicativas y auriculares con música punk-rock a todo volumen. Emily es auténtica, extrañamente antiguay, diferente, misteriosa… y gusta a todos. Niñas y adultos, chicos y chicas, tanto los que van a la última como los que no. La rebeldía tricolor de Emily ha calado hondo en personas de todas las nacionalidades, y sus fans no dudan en enviar a su portal de Internet sus propias fotografías, poesías y dibujos. Si bien los amantes del punk conectan más fácilmente con su imagen y mensaje, es cierto que su alcance es mucho mayor: amantes del diseño, clubbers, góticos, fans de las tendencias… Pocos se resisten, aunque sea, a colocarse esa chapa de Emily con una frase impactante con la que sentirse identificado.

Emily the Strange
por Rob Reger, Buzz Parker y Brian Brooks
Formato: Cartoné 13,5 x 16,5 cm.
64 págs. a 3 tintas
PVP: 11,95 euros
Fecha de publicación: 20 de mayo de 2005

Emily: El libro secreto de las cosas extrañas
por Rob Reger y Buzz Parker
Formato: Cartoné 13,5 x 16,5 cm.
64 págs. a 3 tintas
PVP: 11,95 euros
Fecha de publicación: 30 de septiembre 2005

El tercer libro de la colección, LAS DULCES PESADILLAS DE EMILY, se publicará a finales de año.

Emily puede que sea pequeña, pero piensa a lo grande.

No parece que la joven Emily esté dispuesta a resignarse y convertirse en una moda pasajera, pues su popularidad continúa un vertiginoso ascenso. Dentro de poco la podremos ver en su propia colección de cómics, editados por la norte-americana Dark Horse (y seguramente por Norma Editorial en castellano), que nos ayudarán a conocer más su extraño mundo, y Bob Reger asegura estar escribiendo ya el guión de una posible película…

¿Quieres más? Emily también promete animar nuestros oídos con su primer recopilatorio musical: STRANGE MUSIC FOR STRANGE PEOPLE. Será mejor que vayas buscando
un buen par de calcetines a rayas…

Las influencias musicales de Emily Punk: Misfits, the Damned, Dead Kennedys, Toy Dolls, SubHumAns, the Clash, Social Distortion, X Ray Specs, Guitar Wolf, Lies
Otros: Bauhaus, Thuja, Zappa, Joan Jett, Bride of Ozzy, Donnas,White Stripes, Buffalo Daughter, Fucking Champs.

Buzz Parker:"Para mí el compone de 2 partes de punk-rock, 9 tazas de actitud, 1 larga y placentera pesadilla y 4 gatos deslizándose a través de la noche”.
Los gatos (o como los llama Emily, "La Peña")

Sabbath
Sigue sus propias reglas. Dice mucho "tío".
NeeChee
Un nihilista. Casi nunca te mira a la cara.
Miles
Un genio creativo. Es el gato más rápido de la ciudad.
Mystery
La gata mayor de Emily. ¡Sus deseos son órdenes!
La votaron "la que seguramente derramaría sangre".

Información en la web www.emilystrange.com
La página oficial de Emily, donde adquirir todos sus productos, apuntarse a sus foros y disfrutar con sus aplicaciones multimedia.

www.cosmicdebris.com
Página de la factoría creadora de Emily , con información de su staff y de sus otras creaciones.
www.cosmicdebris.com